Sen Ánimo de Nome ha estrenado con el proyecto 1+1 Play en A Coruña con su primera exposición que ha visto la obra de las artistas Paula Fraile y Roberta Venanzi.
La exposición tuvo lugar el viernes 30 de octubre 2015 en el espacio Come Find Me, calle Santo Tomas 59. Las dos artistas han presentado sus obras de pintura, grabado, dibujo, y han intervenido montando una video-instalación interactuando con el público presente.
Roberta, cuéntanos un poco sobre la esencia de tu trabajo.
El estilo actual que estoy mostrando es una evolución de un proceso personal. Al principio mi estilo era más caótico, gestual y expresionista. En un momento de mi vida empecé a reorganizar mi imaginario y mi disciplina a la hora de pintar. Sentía que necesitaba orden, dar un orden a las cosas. Obviamente son cosas que pienso a posteriori, y no a la hora de hacerla. El resultado de la nueva época eran imágenes más definidas, con líneas más fuertes y con colores planos más encendidos. En otro momento más reciente añadí el elemento “hilo”. En mi obra el hilo se constituye como un módulo para componer la imagen final. La necesidad de utilizar tal medio expresivo deriva también de la consciencia de que el bordado y la costura, elementos propios de una antigua cultura, muy extendida, pero relegada al hogar pueda manifestarse como signo de una búsqueda para recuperar el tiempo que pasa, la lentitud, el ritual, en oposición a la velocidad de la técnica de la globalización. Recuperar esta antigua práctica significa recuperar procedimientos operativos del mundo femenino proponiendo un análisis de caracterización sexual del medio. La introducción del elemento textil en una obra de arte plástica significa actuar un proceso duchampiano de revalorización de un herramienta de uso artesanal en ámbito artístico.
La finalidad de tu obra.
Mi trabajo no tiene ninguna finalidad específica, es un diario de mi vida, un proceso experimental. Te puedo explicar la fenomenología de mi obra pero no su mensaje, y la explicación que saco llega a posteriori. El resultado de mi obra lo entiendo después de un tiempo, cuando asumo el por qué de las cosas, de los momentos claves de mi vida. Mi obra quiere manifestar el tiempo en el que vivo, el caos de mi vida y en el que todos vivimos. De un lado mi obra es bastante contemporánea, del otro es más clásica, soy italiana y siempre echo un ojo hacia el pasado, hacia mi abuela que cosía, hacia mis orígenes históricos y artísticos. Mi obra es el punto de unión de esas dos cosas.
Los pros y los contras de montar una expo a dos. Creo que es un momento de enriquecimiento común. Ya conocía a Paula, habíamos trabajado juntas en otros proyectos. Cada una ha llevado parte de sus obras hechas y otra parte que hemos acabado juntas para el nuevo proyecto. La expo no ha sido un momento aislado, sino un proceso de desarrollo en un mes de taller que hemos compartido con mucha intensidad. Cada obra de cada una de las dos tiene una parte de la otra. Cuando se trabaja juntos se influencia al otro, transmites energía, compartes sentimientos, opiniones, surgen ideas y debates sobre la manera de ver cosas distintas. Siempre es un buen momento. Paula y yo somos muy distintas. Cada una tiene su visión como es lógico, y claro que a veces tenemos distintas opiniones, pero siempre con el máximo respeto hacia la otra. Las nuestras son críticas constructivas, es echarse una mano, hablar para llegar a un punto en común.
¿Cómo consideras el resultado de la exposición?
Me ha gustado mucho la decoración del espacio. El estilo que hemos dado al montaje pegaba mucho con el sitio, un ambiente bonito y con muchas posibilidades. Ha sido algo diferente, que en la ciudad de A Coruña no se ve. El evento tuvo una respuesta positiva del público, tuvimos muchos asistentes. Estoy muy contenta con el resultado en su conjunto, con la música, la poesía, la instalación. Me gustó el hecho que fue un evento multidisciplinar, ha sido un momento de encuentro.
Paula, ¿cómo ha sido para ti la experiencia de trabajar con Roberta?
Trabajar con Roberta para esta exposición supuso compañía, unión, comprensión y aprendizaje… es una artista con mucha fuerza y muy trabajadora.
Compartir espacio, cambiar el ritmo diario y adaptarlo en este caso se hace fácil y familiar. Compartir inquietudes, valorar el trabajo de la otra persona etc ayuda a reflexionar sobre lo que estamos haciendo y aunque de manera imperceptible, sabemos que nos enriquece y con el tiempo entendemos que esa diferencia nace de la admiración.
¿Qué significa para ti pintar?
Durante los últimos dos años he realizado proyectos de pintura mural en exteriores y ha sido una experiencia muy distinta a lo que venía construyendo en los últimos años. Desde hace tres meses he vuelto a la rutina del taller, a plantearme de nuevo otros conceptos y otros formatos que van desde el dibujo, pequeños soportes, lienzos grandes hasta el video. El trabajo en el taller es una vuelta a la reflexión y un encuentro con mi persona. Para mi la pintura, el color, el dibujo, la imagen en general es un lenguaje, un espacio de entendimiento y comunicación, un campo abierto a la experimentación pero también significa responsabilidad y compromiso.
Háblanos de la última obra que has realizado.
La última obra que he realizado es una pintura de 100x100 cm de Acrílico y óleo sobre madera. Es una pintura que comencé en 2010 que he recuperado trabajando la parte superior con óleo donde se intuye y se deshace una crisálida. Para mi es un cuadro importante ya que es el comienzo de lo que serán mis próximas pinturas.
¿De dónde surgió la idea de la instalación?
En nuestro taller tenemos un cubo de 2 x 3 m a modo de mini oficina pero tan pequeña que resulta agobiante y hasta ahora nos había servido sólo de almacén. Al tener cristales y toma de luz, me parecía un espacio interesante en el que el público pudiera entrar y disfrutar de una video-proyección de una manera íntima y sin ruidos. Y … lo que comenzó como un espacio de recogimiento acabó siendo un micro mundo lleno de plantas, hojas por el suelo y por el techo, muñecos que fueron trayendo todos los colaboradores, hilos, espejos, puertas, telas de colores, pequeñas esculturas que realizaron nuestros alumnos, recuerdos, luces de colores…en fin, hasta una antena que nos encontramos un día. Finalmente hubo espacio para proyectar un video realizado con fotos del barrio y sonidos que fuimos recogiendo en el mercado, en el colegio, en la calle. Una manera muy lúdica de trabajar que me recordó esa parte de juego que también existe en la pintura desde que somos pequeños y que debemos tener siempre presente a la hora de crear.
Puedes llamarles Sergio y Belén o Belén y Sergio…. el orden da igual porque aquello lo tienen entre ellos ya bien asumido. Puedes gritarle de tras la esquina de una plaza en el centro o susurrarles en el escalón de una callejuela peatonal de un rincón medieval, que siempre se giran y te contestan con una sonrisa. Una pareja de amigos que se estiman mutuamente, dos colaboradores que hacen de su relación profesional una mina de oro, una caja donde guardar todo lo más bonito que tienen y quieren. Su fuerza, su pasión, su energía se transmite al instante. Sen Ánimo de Nome os presenta Belén Rodriguéz Frías (Madrid, 1990) y Sergio García Ríos (Ávila, 1989). Belén se ha formado en la complutense de Madrid estudiando Bellas Artes también si antes hizo un año de Historia del Arte y Filosofía por la Uned mientras Sergio estudió un año de carpintería en el 2006 y estudia actualmente un curso de forestal. Los dos trabajan artesanía y se mueven manejando el trabajo en equipo. Vamos a descubrí con ellos los secretos de su arte y de este mundo artístico muy variado y coloreado.
Bélen: “La naturaleza como fuente de mi inspiración artística”. Sergio: “No trabajo con patrones, me gusta que cada obra sea nueva y espontanea”. Los Artilugios de Mu
¿En qué momento empezasteis con la artesanía? Sergio:
Empecé como hace 5 años en el 2010 cuando conocí a Belén que hacía alpaca (artesanía en alambre) y de ahí me vine un poco la idea de empezar con el mundo de la artesanía. Aprendí así a trabajar la alpaca y en un segundo momento me concentré con el cuero, un material que me enamora y que me da una energía increíble para trabajar con él.
Belén:
Empecé yo también con la alpaca, gracias a unos amigos de Madrid. Trabajo que me daba también para vivir y me encantaba poder sacar provecho de algo que me gustaba hacer. Sergio me ayudó mucho en poner normas en mi manera de organizar el trabajo. Ahora por fin empecé con la ilustración y el dibujo, retomando lo que había estudiando en mi carrera de bellas artes en Madrid.
¿Cuál es la técnica o el material con la que más os gusta trabajar? Belén:
Trabajar la alpaca ha sido una experiencia importante y que me sigue ilusionando pero la ilustración es mi verdadera pasión, algo que tenía muy presente desde pequeña. Anduve por muchos caminos para luego volver al primero. Creo que me vino bien trabajar la artesanía y aprender las cosas pequeñas sin ninguna pretensión de ponerme ante un cuadro grande. Centrarme en el trabajo manual, de aprendizaje, de proceso, me ayudó mucho a mi persona y madurez. Hacer trabajos pequeños para luego hacer obras de tamaño de grande dimensión. Una vez involucrada en el mundo de la artesanía vendiendo mis trabajos artesanos de piedra con alambre, entendí, porque no vender también mis dibujos, mis trabajos personales que más amo. Belén nos da una rápida explicación de lo que es el trabajo del alpaca: Es una aleación de zinc, cobre y recubierto en plata, se trabaja con alambre muy maleable, se calienta y se trabaja con alicates. Sirve para hacer engarce de piedra, colgantes, pendientes, trabajo de cocido con argollas y muchas más cosas, depende de cada uno, de su genio e imaginación. Cada artesano tiene sus cosas diferentes y personales.
Sergio:
En realidad lo que más me gusta es el cuero. Estoy mucho más conforme con los resultados que me favorece el cuero respecto a los que me pueden dar el alambre. El alambre me gusta pero el cuero me satisface mucho más y con el tiempo veo que estoy avanzando en mi aprendizaje y que la calidad de las piezas va mejorando. Es algo apasionante para mi, una ilusión, con el cuero trabajo mi imaginación de crear nuevas piezas. No me gusta que mis trabajos sean seriados, que salgan iguales, quiero siempre que cada obra sea nueva y espontanea. Tampoco me gusta trabajar con patrones y sus diseños. Lo he hecho pocas veces, pero no suelo trabajar con ellos.
Pequeñas obras artísticas con un gran cociente de creatividad. ¿Cuánto amor Sergio le pones cuando trabajas? Sergio:
Bastante, pero depende….. si son encargos urgentes no le pongo tanto amor como si fueses piezas que se me ocurren a mi. Disfruto más cuando hay un trabajo que sale de mi vena creativa, como un bolso, una riñonera y dedicarle el tiempo que deseo sin ninguna prisa o presión. Puedo acabar una pieza en cinco meses, pero si lo hago a mi manera, cuando me va apeteciendo, es ahí cuando gozo de verdad en la creación de una obra artesanal, no cuando tengo el tiempo vinculado. Para que la pieza salga viva y bonita hay que ponerle la justa energía.
Y tu Belén, ¿de dónde sacas la inspiración? Belén:
Quizás mirando con lo que hay alrededor, siempre se mira a lo que hay a tu alrededor y se piensa que se puede hacer con ello. Cualquier cosa ves en la naturaleza, imaginas en que la puedes convertir, utilizando tus manos, tu inteligencia con tu cerebro y con toda tu creatividad. La verdadera inspiración viene de cualquier entorno donde sepas estar conectado con esta mentalidad de ser creativo. La idea es de reutilizar las cosas. Encontré esa concha ¿qué puedo hacer con ella? Encontré eso ¿qué se me ocurre, que puedo montar con ello? Vas haciendo cositas aisladas que las puedes combinar y al final van saliendo cosas nuevas.
Sergio:
Vas visualizando tu entorno, quizás encuentras algo y al principio no te sale ninguna idea pero más la mira y más se te van ocurriendo cosas. Hay que jugar mucho con la imaginación. Sacar de contexto las cosas, a lo mejor viste la curva de un árbol o de una raíz y se te ocurren diferentes formas para aplicar a tu arte y tu forma de crear. De repente te inspiran las funciones de un árbol o las características de un material que te hacen entender como torcer un alambre para deducir como pueda encajar mejor una piedra. Observando las cosas se te ocurren las ideas.
¿Qué tipo de interacción se crea con el público en la calle? Belén:
Trabajar en la calle tiene sus cosas malas y buenas, te expones totalmente a los demás. Es como sacar tu trabajo y tu corazón para ponerlo en una mesa. Todo el mundo pasa por ahí, te pueden juzgar en cuanto en positivo como en negativo. Muchas veces no vendes nada pero estás sacando provecho o confianza en ti mismo en cuanto hay gente que valora tu trabajo y te lanza mensajes positivos. Se interesan en lo que haces, te preguntan las técnicas para llegar al producto final. Otras veces hay gente que no valora este trabajo, sobretodo gente acostumbrada a productos industriales, y la energía se nota, llega.
¿Cuánta competencia hay? Me contasteis que en verano en las fiestas de Santiago de Compostela habéis preferido desmontar el puesto y dejar el espacio porque había demasiada competencia entre uno y el otro. Belén:
Hay que tenerlo claro, la brama de vender no puede nublar la pasión artística que te ha llevado a crear tu pieza. No olvidar el proceso de como tu llegas a esto. Es normal que quieres sacarte la vida con ello. Si quieres sacarte un negocio haciendo artesanía quizás no estás tratando tus piezas con el amor suficiente para sacar un buen resultado. Creo que hay que tener un equilibrio. Obviamente tu trabajo tiene que ser valorado, bien pagado porque es digno de ser tal. Pero para mi punto de vista es muy importante que esto no se convierta en un negocio, perdería la magia.
¿Cuánto se aprende con las relaciones artísticas que vas encontrando en la calle? Sergio:
Depende con el artesano que coincida. Hay artesanos que están abiertos a enseñarte cosas nuevas, sus técnicas que son únicas porque cada uno hace cosas diferentes. Otras veces encuentras personas muy cerradas que se guardan sus trabajos para ellos y no lo comparten con nadie. La persona con la cual más he compartido aprendiendo en este mundo es un amigo de mi pueblo de Ávila, él trabaja el cuero como yo y cada vez que uno de los dos aprende algo nuevo, siempre nos lo enseñamos. También si solo nos vemos una vez al año, lo de compartir y aprender juntos es lo nuestro, nos regalamos e intercambiamos cosas para trabajar, con él es algo especial.
¿Cuánto os ayudáis en la ideación de las obras? Belén:
Tenemos una parte que es de cada uno pero la filosofía de nuestro trabajo es la misma. La estética del puesto la cuidamos entre los dos y muchas veces pensamos juntos los diseños. Lo bueno nuestro es que siempre nos consultamos haciendo una crítica constructiva. No nos sirve decir que bonito. Es necesario puntualizar algo que no está bien para entender como mejorar, nos gusta trabajar como un equipo.
Hacer artesanía es también como hacer terapia, ¿os ayuda de verdad en adquirir tranquilidad y paciencia? Sergio:
Por supuesto, es como volar, te lleva a otro estado. Cando estás haciendo artesanía no piensas en nada más. Desconectas de todo y te centras en ello, da igual la técnica o el material que estés utilizando. No siempre, pero la mayoría de las veces es como viajar en un estado de meditación.
¿No creéis que el mundo de la artesanía venga un poco devaluado respecto a las artes mayores? Belén:
Sé que esto es así pero no me sirve. No creo que existan jerarquías en la creatividad artísticas y humanas. Soy consciente que la pintura, la escultura y la arquitectura son las artes mayores pero yo elegí ser artesana de manera convencida. Para mi la diferenciación de nivel en el arte no existe, son conceptos que hemos generado nosotros seres humanos. Es ridículo, quien somos para decir o elegir que es mejor o peor. Para mi todas las cosas que vienen del corazón, de las manos y del cerebro humano son igual que artísticas. ¿Qué mensajes darías a un joven con mucho genio artístico de no dejar nunca su pasión? Sergio:
Que busque estar a gusto con lo que hace, que busque el material que más le apasione. Si empiezas y te metes en el camino del arte porque te sale de dentro y te gusta, aunque pasas por fases de parones, nunca lo vas a perder.
Belén:
Acompañarle en el proceso creativo quizás con la oportunidad de un taller, y a través de ello transmitirle la pasión que yo tengo para que ellos mismos experimenten que eso no lo quieren dejar. Hacerles ver y entender lo que ellos sienten de verdad y que tomen una decisión propia, ayudarlos a verlo por si mismo, con sus propio ojos. El arte es un sector muy importante y que el ser humano tiene que seguir fomentando, la cultura y la creatividad son temas fundamentales de nuestra sociedad y hay que seguir luchando por ellas.
¿Algún proyecto en futuro? Belén:
Me gustaría meterme a un curso de ilustración y de diseño gráfico, ahora estoy trabajando en ello de manera autodidacta. Además estoy trabajando a un proyecto para un concurso para la digitalización de un libro electrónico Latino Americano que promueve su cultura. Estoy ilustrando las poesías de Jota Mario Arbalae en su libro “El cuerpo de ella” y espero poder ser yo la persona que ilustre el libro del escritor. Estoy trabajando haciendo dibujos en acuarela y tinta china, después los transformo en formato digital. Representando cuerpos de mujeres. La mujer de la que habla Arbalae es una musa del nadaísmo, una corriente de pensamiento nacida en Colombia. Estoy aprovechando de la oportunidad del concurso para crecer profesionalmente y aprender algo de lo que me gustaría trabajar en futuro. http://ellibrototal.com/ltotal/
Sergio:
Mi proyecto futuro quiero que se oriente a la naturaleza. Ahora estoy estudiando forestal, la naturaleza es otra de mis grandes pasiones. Así que me gustaría fusionar mis pasiones, la naturaleza con la artesanía. Y tengo en mente de empezar a utilizar las raíces de los árboles, una madera muy noble y con la que se puede jugar mucho gracias a sus distintas formas irregulares. No te sabría decir todavía que podría crear con ellas pero tengo muchas ganas de meterme con ellas y lanzar mi imaginación en el abismo para sacar nuevas piezas ingeniosas.
Nos encontramos y nos sentamos a charlar con un artista polifacético, un hombre que dedica su tiempo al arte por pasión y no por otras motivaciones. Sin Ánimo de Nombre ha ido a visitar el laboratorio creativo de Javier Muñoz. Javier ha estudiado un modulo de “Grado Superior de Escultura” antes de matricularse y terminar los estudios en la “Facultad de Bellas Artes” en la Complutense de Madrid. Todo lo que hace como artista tiende al mundo de la escultura porque su formación, principalmente, viene de ahí. Los primeros pasos artísticos que Javier ha dado, han sido relacionado a la escultura y también cuando pintaba o dibujaba, lo hacía siempre con un fin escultórico. Javier Muñoz: “Soy un artista raro, hago las obras y se quedan en mi casa. Si me gusta algo que creo, no lo quiero vender, prefiero quedarme con ello”.
Javi, cuentanos por donde va tu proceso creativo.
Estos dos últimos años me centro en trabajar con la geometría, todo empezó con un estudio sobre el crecimiento fractal en la naturaleza pero ahora mi obra se centra principalmente sobre el estudio geométrico dejando los fractales en un segundo plano. Los trabajos realizados principalmente son “relieves”: construcciones geométricas formadas con papel o plastilina “maimeri”. El material que utilizo para trabajar son: cartulinas y papeles de diferentes gramajes, acetatos, plastilinas, bolígrafos de diferentes grosores, el grabado (los grabados son agua fuerte y agua tintas).
Una de las obras que más relación tiene con el crecimiento fractal es la obra realizada con pirámides.
Relieves con papel: "Piramides"
También me gusta mucho trabajar con la plastilina "maimeri", especial para dar más detalles a las esculturas.
Relieves con plastilina "maimeri"
Hace tiempo que no trabajo en la técnica geométrica fractal y no lo echo de menos. Es un trabajo muy minucioso y cansa mucho. Pero en mis futuros proyectos quiero seguir trabajando con la geometría pero llevarlo a la escultura tridimensional. En algún momento me gustaría hacer algo a lo grande, pero necesito más tiempo. Me gustaría salir del cuadro para llegar a realizar algo más abierto y desordenado saliendo del formado pequeño.
Otro proyecto que llevo adelante es el “Proyecto Tickets”. En este proyecto se usan los tickets como soporte de la obra, para ello se necesitan una gran cantidad de tickets que fui acumulando, los cuales se pegan formando varios soportes de gran formato.
Una vez construidos estos papeles se dibuja sobre ellos y también se estampa en la parte inferior la suma de las cantidades de los tickets. La utilización de los tickets para la creación del proyecto es una crítica hacia este sistema capitalista y consumista en el que vivimos.
El proyecto se divide en tres partes:
•Dibujo (a modo decorativo);
•Instalación (crear espacios libres de intervención en galerías o museos para sensibilizar al público);
•Intervención en la vía pública (su colocación en la vía pública en los escaparates de bancos y comercios es para que la gente pueda verla cantidad de compras que hacemos sin ser conscientes de ello).
Sin Ánimo de Nombre te ha visto exponer en varias ocasiones en diferentes festival culturales de la ciudad. ¿Cuánto te mueves en los ambientes artísticos que ofrece Madrid?
Porque vamos a engañar ¿moverme mucho? La verdad es que no me muevo nada. Hago las cosas y se
quedan en mi casa. Ahora además estoy centrado en otras cosas. Me gusta más crear para mi que para exponer y hacerme conocer. Soy un artista un poco raro. Hay obras que creo que podría vender pero me gustan mucho y prefiero quedarme con ellas, sobretodo si tienen un significado sentimental para mi. Claro que me gustaría vivir de esto ¿porqué no? me gusta mucho el ambiente. Pero es un mundo muy difícil lo del arte y si quieres obtener resultados importantes tienes que luchar, sudar, entregarte por completo y hacer muchos sacrificios para poder subir y llegar a ser conocido, así como un simple equipo de fútbol que empieza en las regionales y tiene la ambición de llegar en ligas superiores.
A través de tus experiencias y lo que ves. ¿Qué opinas sobre la situación cultural y artística que vivimos en este momento en España?
Creo que hay mejores países que España y, en este caso, que Madrid para vivir y disfrutar del arte. Oferta cultural tiene, aparte los tres grandes museos de la ciudad también se mueven otras realidades culturales muy interesantes. Pero para los jóvenes artistas es muy difícil porque generalmente la costumbre de los españoles no evoluciona hacia este mundo: prefieren siempre, en la mayoría de los casos, gastarse su dinero en cualquier cosa menos que por una obra artística. Hay poca gente dispuesta a comprar el arte así que hay que ser muy listo y capaz para llegar a ellos. Cosa que se hace todavía más difícil cuando sabes y ves la jet set comprar por el nombre y no porque le gusta realmente una obra. Noto que aquí nos gusta más aparentar. En otros países hay más cultura e interés en comprar una pieza única de un artista desconocido, por la sencilla motivación que se valora más el arte.
¿Sigues algún hilo conductor, alguna ideología personal para llegar a dar un mensaje concreto a la sociedad?
Normalmente no me gusta hacer trabajos críticos hacia la sociedad, me gustan más hacer mi arte, lo que me gusta, desarrollar mis intereses. Claramente algún vez sin pensarlo me surgen obras que tienen aspectos críticos como en el caso del “proyecto tickets" por ejemplo, pero lo repito, es algo que llega espontáneamente. No me gusta pensar al arte como medio para criticar lo que no funciona bien, no busco crear mensajes políticos prefiero hacer lo que me llena y apasiona.
Hace pocos meses te has movido en otra dirección artística: el mundo de la moda y más específicamente de la indumentaria utilizando la serigrafía. Solito has creado una marca de ropa, “UWWO”. ¿Cómo ha nacido la idea?
La idea ha nacido después de acabar la carrera. No sabía bien que hacer con mi vida desde el momento que me estaba costando mucho encontrar trabajo. Sé que la situación laboral en España es muy mala y quise aprovechar unos ahorros que tenía y dije: “me voy a arriesgar creando una marca de ropa estampando en ella mis diseños”. Creo que pueda gustar a la gente, a ver que aceptación tendrá el público, si funciona o no.
UWWO no significa nada, es un alias personal que me he inventado y lo voy utilizando desde mucho illustrator.
tiempo aunque nadie me llama así. Cuando nació la marca faltaba el nombre y quise utilizar mi alias, un nombre que he creado yo, que me representa y que al final al cabo me gusta. A la hora de crear el logotipo empecé a dibujar relacionando el diseño con el nombre de la marca y después de muchas pruebas me quedé con el boceto del mono…también la tipografía de las leras es personal, la creé dibujándola en
A primera impresión se puede pensar que es un mundo que se aleja de lo cultural-artístico. Pero lo tuyo es algo hecho artesanalmente y que va mucho más allá del simple marketing y venta. Cuéntanos desde el principio todo lo que has hecho para montar e iniciar tu empresa.
Aprendí la técnica de la serigrafía en la Universidad y gracias a esto tenía los conocimientos para crear mis propias maquinas, compré todos los materiales y construí mi propia serigrafía para montarla en mi taller y estampar mis propios dibujos. Si, considero que lo que hago es un trabajo artesanal porque hago todo yo desde la idea hasta que el producto salga de mi taller. Hay cosas que no puedo fabricar en casa y hago fuera de mi casa, como la impresión de los acetatos por ejemplo, mi impresora no imprime sobre ellos y entonces lo hago en una tienda. La materia prima la compro (camisetas, bolsas, tinta, cinta, pantallas y alguna herramienta para estampar) pero luego creo el producto final estampando el dibujo y cosiendo las etiquetas.
Me hice la web utilizando programas específicos para hacerlo y pedí ayudar a un amigo que sabe más de diseño web. Creo mis dibujos y los digitalizo utilizando programas de diseño.
Para la parte comercial de publicidad y venta, hay la pagina Facebook de UWWO, vendo por internet, en alguna tienda de Madrid y por pedidos de amigos o conocidos. Una cosa que se me da mal es ofrecer el producto de cara al público, por eso que ahora me estoy haciendo ayudar de una amiga, Ana, para buscar tiendas de ropa que quieran vender mi marca.
Consigo hacerlo todo solo también porque ahora la empresa tiene un pequeño capital y acaba de empezar, si las ventas aumentaran de manera considerable esto dejaría de ser tan artesanal. Todo es ponerse en esta esta vida, ahora la información está al alcance de un click y es muy fácil conseguir un objetivo si te aplicas y les dedicas el tiempo necesario.
Sin Ánimo de Nombre se ha encontrado con Iria Lamas Alsina en la “costa brava” y hemos aprovechado para hacerle una entrevista y conocerla mejor y más cerca.
La joven actriz gallega instalada en Madrid, desde hace 4 años, actúa desde muy jóven y define este trabajo como sagrado para ella. Es su pasión principal, lo que le da vida y crecimiento. Iria ha estudiado en importantes escuelas de Madrid y ha trabajado en diversos proyectos teatrales y cinematográficos. La jóven actriz no se cansa de trabajar en todo el escenario artístico, lo que le ofrece el mundo de sus relaciones humanas: de modelo a directora de arte, de productora a poeta, de la radio a las performance pasando por la publicidad y presentaciones de libros...una artista a 360 grados.
Videobook de Iria Iria Lamas Alsina: “La misión del actor es romper moldes para producir cambios sociales que mejoren la sociedad en la que vivimos”.
Iria, sé que no eres solamente gallega. Así es, como dicen en mi pueblo soy charnega, medio gallega y medio catalana. Nacida en el mediterraneo, en Súria, la tierra de mi madre y criada en A Coruña la tierra de mi padre.
Con Cataluña tengo una gran relación porque toda mi familia es de ahí y el vínculo que tengo con ellos es muy fuerte, tanto es que con 18 años decidí ir a vivir a Barcelona para estudiar periodismo y ciencia políticas. La verdad que siempre me he sentido de dos lugares: gallega y catalana.
¿Qué significa para ti ser actriz?
Para muchas personas la manera de encontrarse es viajar, escribir, reflexionar. En cambio mi manera de crecer humanamente es actuar. Cada vez que cojes un papel diferente haces un crecimiento personal interior y te trabajas a ti misma. Eso es para mi ser actriz, estar en continua posibilidad de crecimiento para ofrecerles a los demás las conclusiones a las que llegas con tu trabajo.
¿Qué función tiene el actor en el social?
El actor tiene la oportunidad de desarrollar una gran función social.Gracias a esta vocación tengo la oportunidad de llegar a las personas y ayudarles a pensar, a comprender mejor al ser humano, a reflexionar sobre la vida y sus temas existenciales. Para mi, la misión del actor es romper moldes para producir cambios sociales que mejoren la sociedad en la que vivimos. Mi deseo es hacer pensar a las personas, hacer que se desarrollen encontrando respuestas en su vida cotidiana.
El teatro, además de ser un lugar de diversión y entretenimiento, es como una medicina o terapia social que podemos utilizar y que debemos utilizar responsablemente para sanar y eliminar tabús en la sociedad.
Iria en "A proposito de la revolución" de Julia Pardal
¿Sé que tus maestros madrileños han sido Cristina Rota y Darío Facal. ¿Cuánto debes a cada uno de ellos y cuál es el agradecimiento más grande que sientes de darles?
Iria en "El método Gronholm" de Quim Casas.
Me gustaría nombrar a mis primeros maestros de teatro: Loli Fernández, mi profesora del colegio que me ha regalado la pasión para el teatro y las primeras experiencias con la profesión; y Quim Casas mi profesor de la universidad, junto al que trabajé durante cuatro años en Barcelona.
Cuando acabé las carreras, decidí ir a estudiar a Madrid en la escuela de Cristina Rota, ella me ha ayudado a desbloquearme y a volver a educarme sensioralmente, volver a entender que tengo un cuerpo y la importancia de la sensualidad a la hora de actuar, con Cristina aprendí a volver a mi niña para entender como funcionan mis sentidos y quién soy yo verdaderamente.
En cambio Darío me ha enseñado lo que es el oficio de ser actriz, como trabajar con las actividades, la importancias de los impulsos, de estar con el otro para actuar, entender que para actuar no tengo que partir solo de mi sino que hay que fijarse en el otro, como una partida de ping-pong en la que lanzas un impulso y recibes otro. El teatro no es un trabajo solitario sino con otras personas y es importante estar alerta, escuchar para entender y recibir a la otra persona.
Iria de sirvienta en "Inside"
En fin, estoy muy agradecida con los dos porque han sido mis maestros y son las personas con las que he aprendido y las que me han transmitido muchísimo amor por el teatro....y mucho respeto por la profesión. Rota me dio la oportunidad de participar en “La Katarsis del Tomatazo”...un espectáculo que se realiza todos los fin de semanas en la Sala Mirador, ahí teníamos la posibilidad de tener un contacto directo con el público lo cual me ha formado mucho en la improvisación. A Darío le tengo que agradecer, sobretodo, la oportunidad de trabajar en “Inside” en el interior del Hotel Intercontinental de Madrid.Un proyecto traído a Madrid de la compañía “PopUp Theatrics”, un nuevo formato de teatro que ya había funcionado en Nueva York. Una mezcla de macro y micro teatro: macro porque era en un espacio enorme donde los espectadores hacían un recorrido desde la recepción del hotel hasta el sótano; y micro porque los espectadores venían de dos en dos y era como si estuviéran metidos dentro de una peli.
¿Es para ti una desventaja tener tantos actores en la misma ciudad, como la de Madrid, o puede ser un potencial muy fuerte e importante para todos vosotros?
Para mi es una ventaja, porque el teatro es un trabajo colectivo y el hecho que nos encontremos tantos actores juntos nos da la ocasión de poder enfrentarnos, mejorarnos y crear nuevos proyectos. En Madrid hay gran cantidad de perfiles, actores de distintas procedencia y diferente experiencia y formación. Es seguramente un potencial enriquecedor para todos nosotros. En ciudades pequeñas, es verdad que hay menos competencias, pero las oportunidades son menores, así como la posibildad de juntarse y crecer. El teatro es como los deportes de equipo, cuantos más jugadores hay...mejor.
Iria en "Mate y aceite de oliva" de Omar Coello.
¿Cómo evalúas el escenario artístico actual (cinematográfico y teatral) en España y sobretodo en Madrid?
Iria con su compañeros de escuela
Creo que en España hay mucho potencial y muy buenos actores bien formados. Es cierto que muchas veces es difícil ser justo a la hora de evaluar la calidad de un actor. Hay muchos factores que influyen, pero en el fondo lo importante es llegar al público y por eso no hay ningún título académico o formación especial.
En mi vida cotidiana me relaciono casi exclusivamente con actores, y ahora en este momento me doy cuenta que en Madrid estamos viviendo un tiempo de cambio. La misma crisis que puede aparecer como una desventaja, nos ha hecho espabilar y darnos cuenta que en vez de estar esperando trabajo sentados en casa podemos generar ocupación nosotros mismos sin la ayuda de nadie. Los actores somos creadores y el momento social que vivimos nos ofrece la oportunidad de juntarnos para proyectar y crear. Además Madrid te ofrece muchos espacios para actuar y es fácil conseguir una sala para que te venga a ver el público..creo que Madrid está viviendo un momento de explosión cultural.
Drama, ironía, risas... ¿cuál es el papel más apto a tus características y donde te sientes más cómoda?
Me siento cómoda tanto con el drama como en la comedia..creo que tengo más facilidad con la comedia, de hecho mis profesores dicen que tengo una vis cómica natural, pero a ser sincera, me da mucho placer también la tragedia...no podría elegir...me gusta hacer de todo.
¿Te sientes más verdadera en el Teatro o detrás de la cámara?
Para mi el teatro tiene algo muy especial, me emociona mucho más pensar en algo que se hace en el momento con el público y eso genera como un momento mágico, sagrado y único. También el cine tiene su magia pero el hecho de tener el público de frente es algo que me motiva y coloca de una manera diferente.. especial. El teatro me hace expresar de una forma más potente y verdadera....”yo soy actriz de teatro”...
Iria con el equipo artístico de "Tienes un móvil" de Roberto Lolo
La obra que más te ha dado a nivel personal.
Para destacar la que más me ha aportado a nivel personal es la última obra “Por las Diosas” interpretada por nuestro colectivo cultural “Las Hijas de Baubo” y dirigida por Esther Marín donde he sido asistente de dirección.
Iria con el grupo artistico del colectivo cultural "Las Hijas de Baubo"
¿Quieres hablarme entonces de ese último proyecto en el que has colaborado? ¿Quienes son “Las Hijas de Baubo”?.
Este último proyecto nace como fruto de la casualidad. En principio tenía que trabajar con un escritor para montar una performance, pero cuando vi el espacio del SanFest, un monasterio del siglo XII (hablo del Monasterio de Monsalud ubicado en Córcoles – Guadalajara), empezé a soñar con la posibilidad de poder montar una obra de teatro en el interior de ese lugar espectacular. No tengo experiecia en dirección y gracias a un amigo conocí a Esther, una mujer con mucha experiencia y fuerza que hizo un trabajo impresionante...y con ella formamos un equipo de nueve mujeres y creamos la obra: “Por las Diosas”.
Las Hijas de Baubo nacen como fruto de la idea misma, hablamos de la mujer como una revolucionaria social no como una víctima de las circustancias. Hablamos del camino histórico que han pasado las mujeres muchas veces excluidas, escrutadas, tratadas como locas o prostitutas por ser ellas mismas, libres y diferentes. Más allá de ser una critica, lo que pretendemos decir es que ahora vivimos una nueva época y que como mujeres tenemos la oportunidad y el derecho no solo de defendernos sino de aportar todos los mensajes positivos que vienen del cuerpo feminimo como la comprensión, el afecto, la sensualidad..y todo lo que significa ser mujer y que puede ayudar mucho a crecer en la sociedad en la que vivimos.
¿....y tus próximos proyectos y sueños pendientes?
Iria de modelo en un set fotográfico
Ahora nuestras ganas son las de continuar con la obra “Por las Diosas”. Estamos pendiente de respuesta
para diferentes espacios y ya tenemos confirmado dos fechas para otoño en Madrid. Aspiramos mover la obra lo más lejos posible con la justa ambición de llevarla, porque no, en Sud América.
A nivel personal también tengo ganas de hacer un cambio, de salir de Madrid y conocer lugares diferentes para ver como funciona el teatro y como se desarrollan las actividades culturales en otras partes del mundo.
¿Te ha pasado nunca de ser censurada?
Si, pero cuando llega la censura significa que estás removiendo a la gente, que pasa algo y que estás tocando un tema que todavía no está resuelto porque hay miedo. La censura es un halago porque estamos yendo en el camino acertado. Para mi en el arte no debería de existir ningún tipo de censura. Como he dicho antes, no hay nada de malo en invitar a las personas a conmoverse y reflexionar. No hay que tener miedo de buscar la verdad y romper las reglas y las normas establecidas y tampoco errar porque el primer paso para encontrar lo cierto es equivocarse y poco a poco cerrar con el pasado.
¿Qué le dirías a un@ joven que está empezando tu mismo camino en la interpretación?
Estas palabras se las podría decir a la hija de mi prima, Abril, que es muy joven y está empezando con el teatro. Le diría que lo más bonito que me ha pasado en la vida es tener un sueño y creer en algo. Cierto es, que no es un camino fácil, un sector donde es difícil tener una buena compensación económica y una comprensión social de lo que estás haciendo. Pero, al final la satisfacción es grande porque por una parte te estás involucrando contigo mismo creciendo ininterrumpidamente, poniendote continuamente contras las cuerdas para superarte a ti mismo, por la otra te estás dando y entregando a los demás. Creo que el arte es un acto de amor por uno mismo y por la humanidad.
Creo que es un momento de enriquecimiento común. Ya conocía a Paula, habíamos trabajado juntas en otros proyectos. Cada una ha llevado parte de sus obras hechas y otra parte que hemos acabado juntas para el nuevo proyecto. La expo no ha sido un momento aislado, sino un proceso de desarrollo en un mes de taller que hemos compartido con mucha intensidad. Cada obra de cada una de las dos tiene una parte de la otra. Cuando se trabaja juntos se influencia al otro, transmites energía, compartes sentimientos, opiniones, surgen ideas y debates sobre la manera de ver cosas distintas. Siempre es un buen momento. Paula y yo somos muy distintas. Cada una tiene su visión como es lógico, y claro que a veces tenemos distintas opiniones, pero siempre con el máximo respeto hacia la otra. Las nuestras son críticas constructivas, es echarse una mano, hablar para llegar a un punto en común.
¿Qué significa para ti pintar?
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