1+1 Play Febrero: Expresionismo en Proceso

Lucia Alonso + Günes Oktay

Madrid + Instanbul

Este mes de febrero Sin Ánimo de Nombre ha vuelto con la segunda edición del proyecto 1+1 Play con dos jóvenes artistas: Lucia Alonso (Madrid) y Günes Oktay (Istanbul). La muestra se ha celebrado el día 21 en el Fuse-Atico del hotel Silken Puerta America y el día después en la sede del colectivo en la calle Antonio Grilo 9 en el barrio de malasaña (Metro Noviciado).

Lucía Alonso

Günes Oktay

Las dos artistas han trabajado durante una semana con un resultado extraordinario. Se ha podido visionar y apreciar dos manos y dos formas de pintar que han dado lugar a un matrimonio artístico que encaja en la perfección.

Lucia y Günes se caracterizan por tener en común una forma expresionista de hacer arte. Lucia con su frescura y trazos enérgicos. Günes con sus pinceladas llenas de personalidad. De una parte, la madrileña pinta retratos de personas inexistentes, rostros en espera de ser descifrados. De la otra, la turca se distingue por el uso de un texto ilegible en sus obras pictóricas.

Fue durante la exposición del sábado en la sede del colectivo que centré mi atención en hacer unas preguntas a las protagonistas. Empecé a hablar con Lucia y después a escuchar a Günes.

Lucia Alonso: "Cuando recordamos estamos conspirando con nuestros recuerdos".


¿Lucia háblame de los materiales que utilizas y de tu técnica de trabajo?

Uso principalmente gesso y miel. Construyo la cara quemando los materiales. La herramienta que utilizo para quemarlos es el soplete. Luego termino de construir los rostros con pintura acrílica. Empecé a utilizar la miel por equivocación. Un día se me cayó encima de un dibujo, por aquel entonces ya trabajaba con soplete, así que vi la miel quemándose y el resultado me encantó. Cuando dibujas con miel, esta, a veces, hace lo que le viene en gana, se derrama, se prende, es muy sugerente. Combinar tus intenciones con el propio lenguaje de la materia no tiene precio. También me fascina el olor que desprende la miel al quemarse. Cuando trabajo todo huele a caramelo.


¿Es posible llamar expresionista el resultado de tu creación?
Puede ser, porque mucha gente dice lo mismo, pero en verdad no lo sé, lo hago y no me importa colocar mis trabajos en un área específica, no me gusta que me encasillen.

¿Explícame porque utilizas cajas vacías como si fueran marcos?
Toda esta serie se llama Memorybox, en ella reflexiono acerca del concepto de memoria. A esta le precedió Openbox. Cada retrato, cada persona, está dentro de una caja que representa la memoria. Yo pienso que cuando recordamos,  realmente, estamos conspirando con nuestros recuerdos. Creo que nunca recordamos las cosas tal cual pasaron. A veces evocamos vivencias dolorosas para nosotros y mediante la imaginación y el olvido, modificamos, como si de un puzle se tratase, la composición de nuestro pasado, dándoles un final o intención diferente. Otras veces la memoria decide por ti borrar lo que no considera necesario, otras veces quieres recordar, pero tu memoria no te ayuda en hacerlo. Entonces el concepto es un poco eso, pienso que conspiramos con los recuerdos, entonces cada uno de estos rostros se encuentra en un proceso de conspiración. Gracias al olvido y la imaginación la memoria se convierte en una herramienta de futuro, y no en una losa inmutable y eterna.

¿Tus citaciones bajo cada dibujo tienen relación con el rostro del personaje?
Las citaciones las pongo después de pintar y sí que tienen relación. Numero las citaciones del 0 al 1000, eso significa que cuanto más grande es el número más reciente es el recuerdo con el que el rostro está conspirando. Los números menores son de la infancia y si no tienen número son recuerdos creados y adquiridos como verdaderos.

Me gusta también la idea del tiempo. Cada caja es el espacio de la memoria y  los retratos no están ni pegados al fondo como si fuera un marco normal ni tampoco fuera. Están en el medio, en el ahora, en la atemporalidad ya que si pasa el viento por los rostros estos empiezan a moverse, no están fijos, bailan. El mensaje que quiero dar es el no tiempo: ni pasado, ni presente, ni futuro. Es otro mundo, mis personajes están en un tiempo abstracto.

¿Las caras que pintas son de personas que conoces y que hacen parte de tu vida personal?

No, cuando dibujo nunca parto de ninguna idea como puede ser el recuerdo de una persona o la imagen de un amigo. Tampoco me gusta copiar nada, simplemente empiezo a pintar y cuando pongo la miel y la pintura van apareciendo rostros, como si estos quisieran salir  de una forma independiente a mi voluntad.  Puede pasar que al principio de la obra  la cara parece querer ser la de un niño, sigo dibujando y se transforma en un anciano y cuando termino de trabajar de repente es el rostro de una mujer. Yo pongo mi intención y la materia me habla.
Es como una obra en continua transformación. Los rostros son de personas que no existen y me gusta llegar a dotarlos de personalidad, individualizarlos hasta el punto de poder elucubrar acerca de su vida, su pasado, sus estados anímicos, su nombre, etc. Luego vuelves a pensar que estos rostros son inventados e imaginarios, entonces para mí representan a cada una de las personas que han dejado algo marcado en mí, cada ser humano que existe, se convierten en retratos colectivos. Una cara es la misma para todos, una cara es todo el mundo y lo que yo hago es simplemente la unión de miles rostros, que he visto por ahí, en una sola persona.

¿Como ha sido trabajar en dos, es tu primera ves?
Trabajar con Gunes ha sido un placer. Normalmente trabajo sola, con mis rituales, maneras y tiempos. Compartir el proceso de creación con otra persona ha sido una experiencia nueva para mi y volvería a repetirla. Creo que cuando uno trabaja desnuda un poco su parte más pura. A pesar de lo fugaz del proyecto me he sentido muy a gusto trabajando con ella!

El Blog de Lucia Alonso


Günes Oktay: "Escribo para vomitar lo que tengo dentro".

Günes, la misma pregunta para ti. ¿Qué materiales has utilizado y cuál es la técnica que sigues?
Normalmente trabajo de una forma muy rápida, así que necesito materiales prácticos, que me pueda collage, un collage de pensamientos si así se puede decir.

facilitar, como los pasteles, rotuladores, tinta, acrílico, tiza y óleo. Es una mezcla de todo lo que puedo encontrar, de todo lo que puede funcionar para la obra. Pinto la mayoría de las veces encima de papel pero me gusta hacerlo también sobre madera. Además intento hacerlo  improvisando y el resultado es un
Escribo para vomitar lo que tengo dentro, así que encaja a la perfección la técnica de cortar, romper el papel, sobreponer capas una encima de otras. Funciona muy bien para el sentido que le quiero dar. Hablo de los cambios en la vida, las cosas que se van aprendiendo, de la madurez personal que nos toca a cada uno de nosotros.
Es también  por esa motivación que creo mis obras de una forma muy rápida. Cuando dejo pasar el momento en lo que estoy inspirada todo se pierde y no consigo generar nada creativo.    
Por eso que estoy acostumbrada a producir muchísimo antes de elegir lo que me gusta.
Selecciono las obras que más me gustan, algunas me entusiasman más que otras.


¿Sueles seguir un hilo conductor o sobrepones varios temas en la misma obra?

Depende de mi estado de ánimo, del momento, a veces solo quiero escribir sobre un tema específico.

Otras veces me inspiro mezclando varios temas personales que me afectan en la vida cotidiana. Todo depende de lo que yo vivo en cada momento de mi vida.
En las obras que he presentado hoy uso letras, palabras, texto como lenguaje del arte, como elemento de la obra.
Además es un texto ilegible, que no se puede leer porque no quiero mostrar ningún camino al espectador. Tampoco me gusta desnudar mi pensamiento al lector. No es mi objetivo dar mensajes claros y entendibles dentro del texto, desahogo los sentimientos que me rodean.
Ese es el resultado y casi siempre escribo en turco porque es donde me puedo expresar mejor. A veces me siento más cómoda en español o en inglés.

¿En qué área del arte catalogas tu obra?
Pues si, intento expresarme, utilizo pintura y papel para realizarlo. Si hay que colocar mi arte en alguna área, seguro que la que es más afín a mi estilo es el expresionismo.
Es la misma motivación por lo que hemos llamado la exposición “expresionismo en proceso”.
Cuando creo no lo hago para una obra específica sino que lo hago para mí. Es mi proceso para expresarme. Es mi manera de relajarme.
Otro género que se puede asociar a mi arte es el “action painting” (pintura en acción), que como parte del expresionismo, es una pintura donde el movimiento del cuerpo es muy importante.

A una persona le puede costar entender el significado de mis obras. El público puede pensar lo que quiera y cada persona puede imaginar una cosa diferente.
Son muchos los pensamientos que tengo cuando pinto y no es necesario decírtelos o desnudártelos, no es mi objetivo hacerlo. Solo es algo comprensible para mi.
Intento sacar los sentimientos sin pensar mucho y compartirlos con el papel.
No estoy hablando con ninguna persona, mi interlocutor es la obra.

¿Qué tal ha sido trabajar con Lucia?
Por culpa del tiempo no hemos trabajado mucho juntas, pero de lo poco que he vivido con ella te puedo decir que me encantan sus obras y su pensamiento.
Ha sido fácil porque nuestro estilo es muy parecido y nos ha venido genial.
Ha sido una nueva experiencia. Es la primera vez que trabajo conectada a otra artista y ha sido muy interesante para mi.

Vomito la miel que habito
transformo lo nada en algo
en algo que conspira
que expresa.
Creo,
me entrego para sentir
para escuchar hasta lo que no existe
sin prejuicios
sin buscar algo preciso
convencida que cada partícula es tierra fértil.
Vivo,
desgarrada de ver todas estas ollas
hervir sin sentido
y echarlas al aire.
Una vuelta cósmica 
sobre sí misma
sin la intención de resolver nada.
De volcar toda la mierda
metida dentro de mí mente volcánica
contemplando en una playa turca
desértica
bajo un frenético atardecer desordenado

que me deja ciega de alegría,
de vacío,
repleta.

Fotos: Laura Fernández Sanchez

Fabrizio Rosano

03/03/2014

Madrid

Entrevista a Dos de Tres

Es una mañana nublada de mediados de enero, en el cielo no se logra ver ni un trozo de azul, parece como si la lluvia estuviera impaciente por caer. Llego a la calle de Marcelino Roa Vázquez en el barrio de Ascao donde está el taller de Matias Blanco-Cobaleda y Diego Fontecha. Los dos han estudiado "Arquitectura de Interiores" en la ETSAM (escuela técnica superior de arquitectura en la Universidad Politécnica de Madrid) y juntos han montado dosdetres, así se llama su firma. 

http://www.dosdetres.com/

Matias y Diego

Dosdetres es una marca que produce lámparas por lo general, pero también relojes, mesitas, percheros y otros objetos de design y decoración. Decidí conocerlos porque me llamó la atención la creatividad de sus piezas. Además su logo lo veo a menudo en muchas tiendas y bares de Madrid.

Antes de la entrevista doble hemos divagado hablando de arte, de amigos e intereses en común, de hoy y del pasado.  Después de esto lancé la primera pregunta:

Chicos contadme, ¿Cuando empezaron y porqué las lámparas?

Matias

Empezamos en el 2010 con esta idea y todo empezó porque nos gustaba el sector de la iluminación desde que lo habíamos estudiado en diseño interior y de ahí la pasión por el diseño. Cuando te gusta el diseño terminas enamorándote también de la arquitectura, del mobiliario, fijarte en los detalles de los objetos. Cuando salimos de la universidad y no teníamos trabajo, decidimos empezar a crear piezas con objetos reciclados. Por dos motivaciones en concreto: uno porque es más barato hacerlo y dos porque es otro modo de diseñar.

Diego

Después de la universidad hemos participado también en varios concursos de diseño e innovación que nos han dado un buen aprendizaje y acercado al mundo del trabajo. Gracias a la formación universitaria y las experiencias laborales trabajamos también en otros sectores como la dirección artística y la infografía en 3D.

¿De dónde viene la idea y la inspiración del proyecto?

Matias

Encontrar un objeto nos facilita el trabajo porque ya tenemos el material fabricado y lo que hay que hacer es darle la vuelta y convertirlo en lo que tu quieres. Crear una pieza de cero es mucho más caro y además tampoco sabes cómo y si lo vas a vender. Nuestra manera de trabajar es mucho más rentable.

Diego

Nuestra filosofía es ahorrar energía porque damos un nuevo uso a objetos que ya no se utilizan y lo hacemos a un coste mucho más bajo. ¿Por qué destruir la botella y volver a producirla cuando hay la posibilidad de reutilizarla? Lamentablemente hoy en día el sistema del reciclaje es todavía muy imperfecto. Es verdad que separamos los envases de los orgánicos pero luego en los envases hay mezclada muchas cosas como metal, plástico etc. El reciclaje debería ser mucho más selectivo y hay formas mucho más rentables para el consumidor y con métodos  más sencillos para hacerlo.

Matias

En unos de nuestros principios está la vertiente ecológica: cogemos materiales viejos o en desuso. Todas aquellas cosas que ya no se utilizan más como los vinilos de la época de nuestros padres por ejemplo. Y como los vinilos hay muchos más objetos (basura para la sociedad moderna) que es completamente reutilizable.

¿Qué materiales en desuso reutilizáis?

Diego

Un poco de todo: teléfonos, botellas, barriles, cámaras, vinilos, discos, altavoces, espejos, radiocasete, magnetófonos. Hemos utilizado también el generador eléctrico de gasolina por ejemplo. Herramientas deportivas como los esquís y los palos de golf. Algo muy común pero que utilizamos menos son las latas de aluminio porque el material es demasiado frágil para brindar una pieza de calidad. 

Matias

La primera pieza que hicimos fue un reloj de disco duro y seguimos haciéndolos con toca discos, con vinilos, con magnetófonos (los casetes de los años 50’-60’).

Hay lámparas con flexo, con  luz direccional y útil. Siempre ponemos bombilla con luz cálida, nunca bombillas frías. Cada ambiente o exigencia nos da la respuesta al diseño o la funcionalidad buscada. Y todo lo hacemos siempre con mucho criterio para que el producto final tenga un sentido estético y funcional.

También nos gusta restaurar lámparas antiguas para volverlas a hacer funcionar.

Luego para lo que es la electrónica, no controlamos mucho y tampoco hace falta.  Montar una lámpara no es muy complicado y saber sobre la electricidad básica te vale.

¿Cómo han conseguido encajar la inventiva con  la creación artística partiendo de objetos en desuso?

Matias

La inventiva viene del objeto, normalmente suele venir de ahí. Es como jugar un poco con la imaginación, en otras ocasiones tenemos la idea y luego vamos relacionándola con el objeto.

Diego

Es que la mayoría de las veces el objeto te desvela el uso. El objeto mismo te da ya la idea de los posibles usos. Te hago un ejemplo: con los esquís creamos percheros y si lo piensas bien, los esquís son perfecto para ese uso específico.

Matias

A veces somos cabezones porque queremos hacer que el objeto tenga un uso completamente diferente a lo que podrías ser lo habitual o más lógico. Pero lo pasamos bien porque vamos desarrollando ideas que a veces nos llevan a creaciones innovadoras mientras que otras veces derrotamos por un pequeño detalle o error.

Diego

Nuestra idea es integrar las funcionalidades del objeto con el diseño. Creamos muchas veces para que la pieza sea eficaz y útil, como en el caso de que las lámparas proyecten una buena luz  /iluminen bien una habitación. En otras ocasiones jugamos con objetos o luces que dan un efecto final diferente: algunas lámparas son decorativas, sirven como luces ambientales o para otras funciones más específicas (lámparas de trabajo, para ver películas o leer un libro).

¿Por qué no alargar vuestra filosofía de trabajo a otros sectores con otros tipos de objetos?

Diego

La reutilización de objetos se podría ampliar a muchos más sectores, claro que si. Según el material que tienes a disposición y el objeto que quieres conseguir siempre hay posibilidad de construir algo útil. Te podría hacer miles de ejemplos: hay gente que construye casas completamente con materiales reutilizado, hemos visto un hombre que se hizo un invernadero con diferentes ventanas,

Vivimos en una sociedad donde estamos acostumbrados a tirar cualquier cosa cuando se rompe o no funciona. Reutilizarla sería lo más lógico: disminuimos basura, guardamos dinero y  la tierra misma ahorra energía.

¿Por qué os llamáis 2de3?

Matias

Fue por una anécdota con un antiguo amigo y a raíz de ello surgió el nombre.

https://www.facebook.com/dosdetres.diseno/photos

Fabrizio Rosano

19/02/2014

Madrid

1+1 Play - micro-residencia de los artistas europeos

El pasado 16 de enero, Sin Animo de Nombre estreno el proyecto 1+1 Play con una exposición colectiva, en el Fuse-Aticos del hotel Puerta América.

Video resumen del evento:
http://www.youtube.com/watch?v=W2hZmybgvhY&feature=share
Video de Sergio M. Photograph

Para la presentación de 1+1 Play, Sin Ánimo de Nombre ha organizado una exposición colectiva con algunos de los creadores que participaran en el proyecto y que forman el núcleo de artistas más activo de la ciudad de Madrid.

Durante el evento hemos querido entrevistar los artistas que han dado vida a la primera edición del 1+1 Play haciéndole una misma pregunta a todos.

Se trata de una pregunta sencilla y directa para saber más sobre la obra que han llevado a la exposición.
¿Puedes hablarme del trabajo que has presentado esta noche? ¿De donde te vino la inspiración y que técnicas has utilizado?

An Wei Lu Li:

Mi nueva creación quiere hablar sobre el ser humano y su relación con el hábitat en el que vive. La relación que puede tener el habitar como simple contesto donde vivir con los sacrificios para conseguir la libertad de vivir.

Es una crítica a uno de los muchos problemas que hay todavía en nuestra sociedad.  Quise hablar sobre este tema porque este derecho social no está todavía muy claro hoy en día. En España y en casi todos los países del mundo. Hablo del problema del desahucio, las instituciones públicas echan la gente  de su propia casa en casos de deudas con el banco, falta el dinero para pagar la hipoteca y los impuestos. La mayoría de las personas que tienen este problema son las mismas que han perdido el trabajo, o se lo han quitado, o que incluso han perdido su casa.

La técnica utilizada es arte plástico y para representarlo dibujé el rostro de un individuo encerrado dentro de una estructura de ladrillos de cuatro paredes que puede simbolizar una red, una cárcel, una verja. Resaltar lo que es la estructura entorno a la persona. Tantos años de sacrificios para pagar tu casa para que luego te la quiten y te echen a la calle. Una contradicción fuerte ver un individuo encerrado en su propia casa como si fuera una cárcel en vez de ser su hogar de descanso y libertad.

A.Belinski:
He reinterpretado dos obras celebres: la primera, “La tentación de  San Antonio” de Dalí que se convierte en “El desahucio de San Antonio”;  la segunda, “La balsa de la medusa” de Géricault que se transforma en “La balsa de Lampedusa”.

En Fuenlabrada hay un paseo que se llama Paseo de San Antonio y justo allí hubo un desahucio hace poco y entonces todo cuadraba. Fue por esta motivación que me inspiré.

Lo misma pasa con “La balsa de Lampedusa”. Resaltar  lo que ha pasado en Italia con las últimas leyes sobre la inmigración y de las pateras que desembarcan en las costas europeas. Hace unos meses han muerto muchos inmigrantes en las aguas de la isla siciliana y muchos de ellos porque no han podido ser ayudados y socorridos por las embarcaciones de alrededor porque hubiera sido ilegal según las nuevas leyes.

El mensaje que quise dar con mis nuevas obras es claro. Criticar el sistema político en lo que vivimos y la situación socio-económica en la que nos encontramos. Utilizar el arte para luchar los problemas actuales. Utilizando como referencia obras antiguas, puntualizando que los mismos problemas que hay hoy en día en nuestras sociedades son los mismos que siempre han existido.

Esperando la libertad, homenaje a la cultura Anarko-Surrealista 
Es un  montaje, una escultura que representa el arte y de cómo el arte se relaciona con la sociedad, o como debería que relacionarse. Como puedes ver hay en el estomago de la estructura una jaula y dentro de ella una persona oxidada de tanto esperar que alguien la saque y la lleve en el campo del arte. El arte debería que ser derecho de todos y se debería que promover siempre más, ser abierta a todo y todos sin discriminaciones, y enfatizarla, divulgarla. Por eso quise representar un bufón o juglar a brazos abiertos porque es así como debería que ser.

Jimena Aragonés Talavera:
He llevado dos nuevas obra esta noche: “Crónico” e “Inside”.  La técnica utilizada en ambos ha sido acrílico con espátula y pastel. Es una técnica mixta porqué hay también el uso del rotulador. La verdad que la inspiración ha sido muy casual. Realicé  esas dos obras estando en casa, sola, escuchando música. No utilicé ningún modelo, por lo que fue un buen ejercicio mental y artístico: dejar a mi mente trabajar libremente.















Ze Carrión:
Las dos obras realizadas son "Napalm" y "Vietnam". Recrean la violencia surgida en el ataque de lluvia de Napalm de los Estados Unidos sobre Vietnam. La idea es dar un mensaje al público de que la historia se repite, y otra lluvia de Napalm puede ser posible, y cosas incluso mas atroces, si cabe. Las armas de destrucción masiva se siguen investigando y fabricando. Son cuadros de denuncia. La técnica utilizada es spray sobre lienzos.

Javier Muñoz
Mi trabajo se basa en lo geométrico, pero dentro de ese campo me inspiro en la geometría fractal. No sigo sus patrones de crecimiento, solo la uso como fuente de inspiración. Las técnicas usadas en esta última exposición son varias. Los relieves son construcciones realizadas con plastilina de escultor ya que esta aporta mayor detalle a la obra. Y las otras obras las realizo usando dibujos sobre acetatos los cuales combino para crea esa maraña.

Arturo Alarcón:
Te hablo sobre “Collar de perlas”. La idea nace cuando el gobierno de Esperanza Aguirre empezó a privatizar el agua. Por aquel entonces yo andaba trabajando con vendas de escayola haciendo extractos de impresiones en relieve que hay en la ciudad.

Haciendo un proceso similar al de los polímeros que se usan en flexografía, el objetivo era hacer una fotografía orgánica de un objeto en estado deteriorado. Con lo que hice el extracto de un registro (alcantarilla) de agua. Más tarde empecé a hacer una serie de registros de bienestar deteriorado, que hoy por hoy lo son todos, luz, gas, teléfono, saneamientos... "El bienestar es un lujo", de esta sentencia nace la idea de presentar los registros como si fueran un collar de perlas gigante, surrealista, inaccesible e inútil. El collar de perlas es un símbolo ostentoso al que sólo tiene acceso la clase alta de la sociedad y que la clase media española anhela, aunque sea de imitación, para enseñárselo al vecino y hacerle creer que poseemos más de lo que tenemos en realidad. Somos así de bobos, no nos damos cuenta de que quien quiere que sigamos devaluándonos es quien nos suprime. Somos capaces de comprar un collar y pagarlo dentro de tres meses, mientras tanto el sistema de derechos y bienestar se deteriora y se pierde. Espero que hayáis disfrutado de esta contradicción descontextualizada, aunque no lo hayáis entendido. Espero que viéndola os pueda parecer estético y bonito.

Dr. Homes:
Mi trabajo tiene mucho que ver con ilustrar el orden en el caos, el todo en uno, horror vacui con tintes naif. La inspiración es la sociedad post graffiti y supongo que las masas de gente gritando al unísono. La técnica es rotuladores y tinta sobre papel.

Fabrizio Rosano

29/01/2014

Entrevista a Santi Senso

Estoy en la “Galería Siluro” en la Calle Cervantes (barrio Huertas) esperando al actor cacereño Santi Senso. He quedado con él para hacerle una entrevista representando a Sin Ánimo de Nombre, mientras estuve echando unas fotos a su exposición “EgoSenso” que fue inaugurada el 10 de enero. Santi vive en Madrid, trabaja mucho en la ciudad pero no para tampoco de moverse en España y por el extranjero por motivos profesionales. Es un artista de 360º: teatro, cine, televisión, cantante y ahora se encuentra en el punto de mira por haber organizado una exposición artística donde se toca un tema muy delicado e interesante como el EGO de cada persona.

Santi revoluciona la definición del Ego que todos estamos acostumbrados a escuchar y hablar. Opone su EgoSenso con el EgoCentrismo. Eleva y celebra el Ego en su faceta positiva, viva, dejando la parte negativa (la de exceso de autoestima) descomponerse en el vacío. Es una forma de vivir, es una forma de ser, una filosofía propia del actor. Santi habla del Ego como forma de mostrarse, confrontarse, entregarse al otro y dejarse conocer, amar. El Ego como algo natural, incontrolable que se manifiesta solo cuando tiene que aportar algo al Ego del ser que tiene enfrente de sí mismo.

Así que cuando todo estaba listo Santi organizó una entrevista colectiva llamando a participar a sus amigos que estaban allí viendo la exposición. Entre ellos Rafael Clemente y Paloma Dobarco Lorente que fueron unos entre los artistas que han contribuido a la realización de la exposición. Rafael ha dedicado una escultura a Santi, diferentemente Paloma le echó las cartas del tarot. Ha sido muy enriquecedor hablar de un tema tan constructivo y profundo haciendo una entrevista de grupo e interactiva.






Santi estoy aquí representando a “Sin Ánimo de Nombre”, al colectivo nos pareció valiente tu idea porqué desnudas tu Ego para hablar del Ego de todos los demás. Y lo has hecho de una forma sincera, sana y verdadera.

El tema de la valentía está muy bien centrado en mi forma de comunicarme con mi familia, mi trabajo, mis amigos y mis amantes. Todos nosotros somos ya muy responsables por haber nacido. La valentía ya está ahí. En este caso EgoSenso parte de una cosa muy sencilla: de la fuerza de la gente que me conocía y de la ayuda de la red social. Muchos amigos artistas, colegas de trabajo, conocidos, empezaron a contactar diciéndome que tenían una idea artística sobre la cual se estaban inspirando en mí de diferentes
maneras: viendo una obra de teatro donde he actuado, una fotografía personal, una reseña o entrevista donde me exponía. El impulso ha nacido de ahí. El momento exacto cuando nació en mi la idea fue el día que Rafael Clemente, amigo y artista, estaba creando una escultura con tornillos y entusiasmado me dice que aquella pieza era yo, era la imagen de Jesús Cristo que venía a la luz provocada de una interpretación que hice del personaje en una película. En aquel instante dije: “EgoSenso”. Jugando también con mi apellido Senso que en italiano significa Sentido: el sentido del Ego, un Ego conectado, de un Ego como autoestima. Un Ego no destructivo, no competitivo, no forzado, no empujado porque si no esto sería un ser egocéntrico. El EgoSenso es algo que necesitamos para estar vivos. Todos los artistas que han participado han ido sumando con sus EgoConectado y han ido formando parte de un EgoColectivo. A colaborar no han sido solamente los artistas que se dedican a esto profesionalmente sino que también amigos que juegan con el arte por placer. Son personas con la cual nos hemos hecho amigos porque conocían aspectos de mi intimidad y de ahí, de la amistad, han nacido varias ideas para la exposición. Estos son unos ejemplos: una amiga pastelera a la que le encanta hacer postres hizo una obra con galletas con mis sabores preferidos; un amigo que trabaja con la alquimia ha hecho unas colonias a bases de mi sudor y mis lágrimas.  Otros artistas internacionales que han contactado para poder participar a la exposición eran personas que yo no conocía y que únicamente querían mostrar su egocentrismo y que no hubieran podido formar parte de un proyecto que tiene una orientación y objetivo diferente.

¿Por qué casi nadie habla del EgoSenso positivo y siempre se suele asociar el término Ego a su faceta negativa?

Sin EgoSenso no hay Karma.
Te contesto a tu pregunta con este ejemplo. “Eres un maricón”. Yo estoy conectado con ser un maricón. No me va a ofender, no me va a sentar mal, no voy a contestar ni voy a luchar contigo. Eso ya es problema tuyo. Y si la gente me contesta: “vaya ego, que egocéntrico”. Muy bien, no sigo luchando y tampoco me va a doler porque yo tengo mi Ego tan asumido, tan conectado que da igual que me llamen maricón, egocéntrico. Jamás estas cosas me puedan humillar.

¿Te sientes en paz contigo mismo?

Claro. El problema lo tiene quien me ataca. Si yo lucho me bajo al mismo nivel de la persona que me insulta.  Nadie me puede atacar mi Ego más que nada porque nunca voy con un Ego de egocéntrico.

¿Crees que hace falta mucho EgoSenso para tener mucho éxito en el mundo del Arte?

Claro que si. Como en cada cosa. Es una cuestión de actitud. Es fundamental compartir, comunicar para crear. Sin Ego creativo no hay creación artística. Si expones más tu Ego en tu pasión más éxito tendrás en la vida.

¿Cuánto sudor, fatiga y tiempo te ha llevado organizar todo y coordinar el espacio de la Galería Siluro con la exposición? Más de 40 artistas invitados a trabajar. ¿Cómo has hecho?

No sé yo tampoco como lo he hecho. Diría mejor: ¿Cómo lo han hecho ellos? ¿Cómo se ha montado todo esto en tan poco tiempo? Yo no he hecho nada, todo esto ha sido gracias a la fuerza y la energía de los artistas creadores. Esta exposición se iba a inaugurar el viernes 14 de diciembre del año pasado pero había algunas obras que venían de otros países y no llegaban a tiempo. Por ese motivo cambiamos la fecha para el 10 de enero. Cuando tengo una idea la comparto y tiene que ser ya, sino no funciona. Cuando me pongo con un nuevo proyecto que me provoca algo, lo hago en serio y le dedico todo el tiempo que pueda. También en el mundo del teatro, cuando me surge una idea en dos semanas la estreno. En el amor, con los amantes, con mi pareja soy igual. Si estamos ahora bien, si no se fue.

Santi, tocas temas de amor, amantes y pareja. Te hago una pregunta intima que sale fuera del tema artístico. Si quieres no contestar, eres libre. ¿Crees en la monogamia y el la fidelidad en la pareja? 

Yo te contesto, contesto a todo.  Mira, yo soy fiel, fiel a lo que siento, a los sentimientos. Respetando y escuchando siempre a toda la gente que está a mi alrededor (amigos, familia y pareja). Cuando no hay respeto, mirada, vulnerabilidad, la fidelidad se pierde por todas partes. Pero cuando uno está conectado a otro surge el amor, surge la pareja, se mantiene la familia, entonces allí soy fiel, muy fiel. Soy siempre fiel a lo que estoy sintiendo en este momento. Dejo de ser fiel a la otra persona cuando esta persona se crea un mundo al que no está conectado. Si tú quieres tener una pareja tienes que escucharla y respetarla y no puede invadir tu fidelidad y tu Ego, si no estaría manipulándote. Cuando los artistas me piden, dudan, yo le digo siempre que está bien hecho en cualquiera forma lo están haciendo. No puedo decirte ni juzgar nada porque no tengo ningún derecho en hacerlo.

Saliendo del tema y volviendo a tu profesión de actor.  Tú has trabajado en teatro, cine, televisión. ¿Cuál es el escenario que te gusta más para trabajar y que personaje teatral se acerca más a tu personalidad?

Digamos que en todas las disciplina del arte que yo he experimentado siempre tengo la misma actitud, siempre estoy conectado. Da igual la disciplina, no puedo decirte donde me siento más cómodo. Lo que te puedo decir es que tengo más experiencia en teatro porque he trabajado más allí pero para mí lo importante es estar conectado. No importa que me estén grabando, mirando, dibujando o fotografiando, siempre doy lo que soy. Da igual el espacio, el medio o el número espectadores. En los actos más íntimos, cuando estás conectado con tu intimidad vas a transmitir intimidad, da igual si hay una o 50 mil personas.

¿Qué función cumple tu Ego a la hora de interpretar otro Ego?

Siempre me dicen que cuando estoy interpretando nunca saben cuándo es verdad o ficción y eso les da miedo y yo el miedo me lo follo. Es la mejor forma de comunicarme con los personajes. No puedo tener miedo, no puedo jugar con un personaje y tampoco puedo juzgar si el personaje es mejor en una forma u otra. Yo lo hago, es más, me pongo en ese Ego, en esa situación. El personaje no lo estudio nada. Tengo mucho respeto a los diferentes métodos de estudio de las  escuelas de teatro de Madrid pero no los comparto. No necesito entrenarme, relajarme, explorar la vida del personaje, encontrar una sensación  o escavar en mi pasado para que me pueda hacer despertar algo y ayudarme en la interpretación. Todo está cuando actúo, en el momento exacto en que empiezo. En aquel momento soy el personaje estando conectado con migo mismo y con el ambiente que está a mi alrededor.

Cuando la entrevista terminó nos quedamos todos un rato más charlando, Santi me presentó amigos que iban entrando a ver su exposición. Antes de despedirme nos dimos un abrazo largo y cariñoso y cuando me fui quedó en la boca un sabor fuerte a vida. ¡Que bonito conocerte Santi!


EGOSENSO

Espontaneo 
como enamorarse de la vida 
y su multitud, 
como ligar con el hombre, 
la mujer, 
él árbol más perfumado del planeta. 
Como jugar al  Lego 
y los niños se vuelven locos 
construyendo 
con una miríada de formas anticonformistas, 
besando sus colores excéntricos. 
Propensión, 
dilatación del yo. 
Innumerables conceptos
alimentados
por entretantas consecuencias creativas 
en un inmenso espacio 
de pensamientos, 
limites 
e ideas contradictorias,
en un infinito tiempo 
de sueños, 
de cambios, 
y relaciones…

Fabrizio Rosano

25/01/2013

"Villa Esperanza"

Eran las seis de la tarde, del primer día de diciembre, cuando me encontré con mi amigo y fotógrafo David Ueman. Habíamos sido invitados en la Villa Esperanza para asistir a un evento cultural organizado por los chicos que allí mismo viven.

La "Villa Esperanza" está en la homónima calle en Lavapiés. El espacio había sido antes una carbonería, luego se ha convertido en el célebre “escena”, ahora es una casa donde los inquilinos que allí residen han querido retomar su origen y levantar espectáculos culturales auto-coordinados y gestionados en el interior del piso mismo.

A la llegada en la villa nos han acogido la gente del piso y hemos tenido la suerte de conocer jóvenes con muchísima gana de hacer y platicar con todos ellos antes que empezara el espectáculo. Nos estimulaba comprender cómo y de donde nace una intención cultural tan original y autentica.

Los protagonistas son muchos de los inquilinos, pero también vienen invitados artistas fuera del ambiente familiar. Es este caso han sido invitados Asier Vázquez, poeta originario de País de vasco; Patricia Gonzalez, violinista; Kiyomi Homma, coreógrafa y bailarina de flamenco; Yutaka Nozawa, artista plástico y audiovisuales.

De otra parte los músicos Vidal y Victor Hugo Podetti han sido entre los artistas que en la villa misma moran.

El espectáculo arrancó después de las siete de la tarde. Salió como primero Victor Hugo con una guitarra. Victor nos regaló covers de grandes clásicos rock. El argentino ha creado una atmosfera sensible y emocionante ideal para empezar la noche.




Siguió el poeta Asier Vázquez con un recital conmovedor. Su ironía nostálgica, si así puedo llamarla, su melancolía positiva y sus palabras románticas nos han conquistado y impresionado todos y solamente con un aplauso sin fin ha podido terminar su recital.










Después de disfrutar de tanta creación pudimos aprovechar un pequeño descanso para saborear el vino caliente que los jóvenes de la casa habían preparado para los invitados.


A la vuelta en el escenario, ya estaba listo Yutaka Nozawa con su instalación y proyección.
Yutaka ha proyectado su video con un juego de espejos haciéndolo reflejar sobre la pared. El video era acompañado de diferentes sonidos (el ruido de un tren, las voces de niños) que te dejaban imaginar lo que podía pasar mirando las imágenes que el artista japonés proyectaba.
Las imágenes proyectadas están tomadas en Nepal, precisamente en Katmandú, la capital del país.

En el medio de la performance entró en el escenario el músico Vidal con su guitarra acompañado de la violinista Patricia Gonzalez.

Los dos artistas han tocado unos de los temas personales de Vidal y han creado un aire íntimo y hogareño. De repente desde el público se ha levantado la bailarina de flamenco Kiyomi Homma  y nos ha hipnotizado con sus movimientos y su taconeo hizo vibrar la villa entera y latir nuestros corazones.

Al final del espectáculo hemos tenido una actuación no programada de unos chicos que conocían  el espacio porque lo frecuentaban cuando era una tetería. Ha sido un salto en el pasado: se ha creado un hilo conductor entre el pasado y el presente de la casa, hablo de las mismas ganas de seguir con ideas culturales e intenciones de crear algo distinto.

Hemos asistido a algo artísticamente sorprendente que solamente este lugar ha sido capaz de renovar.
La “Villa Esperanza” así se ha reconectado con un espíritu que había antes, la única diferencia  es que en cambio de ser un espacio público, una tetería, así como era, es ahora una casa privada y esto hace del evento algo diferente, algo todavía más mágico.
Todo gracias a la voluntad de la gente que vive ahora en el espacio: jóvenes con mucha energía que han literalmente conseguido transformar una casa en un espacio teatral.
Ha sido algo sencillo pero algo hecho con mucha pasión, una pasión que todos los invitados hemos sentido y apreciado.
A nombre de Sin Ánimo de Nombre, agradezco mucho los chicos de la "Villa Esperanza" por habernos invitado y hacernos pasar una noche más que cultural, una noche inolvidable.

Fotos: Carmen Corpas y David Ueman

Fabrizio Rosano y Sonia Dal Bo