1+1 Play Marzo: Le Prisme Vertical

Pablo Gómez Suarez + Ana Arregui + P2H

Madrid + Sevilla + Paris

Sin Ánimo de Nombre ha vuelto en Marzo con su tercera edición del proyecto de micro-residencia 1+1 Play. Por su primera vez la exposición artística se ha presentado en modo de acción acompañada de música tocada en directo.

En la edición de Marzo del 1+1Play "Sin Ánimo de Nombre" ha contado con el trabajo conjunto de tres artistas: el ingeniero de música francés p2h (Paris), el guitarrista Pablo Gómez Suarez (Madrid) y la artista de arte plástico Ana Arregui (Sevilla).
Es un proyecto experimental de los tres artistas. Pablo toca su guitarra eléctrica mezclándola con sonidos externos que se sobreponen gracias al uso del loop.
Steeve Pernock en arte p2h toca con su equipo música electrónica experimental. Los dos, en la misma línea de dirección, crean una atmósfera musical mística y psicodélica.
Ana pinta de una manera muy inusual porque utiliza la lejía en sus creaciones. Ella acompaña los dos músicos pintando una obra en modo de acción, todo cogiendo inspiración de lo que la música le transmite.

Uno de los objetivos del 1+1 Play es abrir puentes entre artistas y puntos geográficos por medio de la creatividad y sobre todo de la amistad. El hecho de tener este mes la participación de tres artistas, nos alegra decir que este objetivo se ha cumplido al cien por cien.
Estas tres mentes vanguardistas se han conocidos un mes antes del proyecto y han empezado a juntarse para trabajar y crear una sinergia especial. Ha surgido entre ellos algo que no tiene definición. Después de dos semana ya estaban presentando su primera performance  en la Tabacalera en la calle embajador.

Psicodélica, pintura y lejía. Sonido, color y olor. Pablo, Ana y p2h. Ellos son los tres puntos sobre los que se sustenta este prisma en el aire: Le Prisme Vertical. Un prisma con tres caras y un millón de universos posibles.

Las muestras han tenido lugar en dos lugares bien diferentes: el jueves 13 en los Áticos del hotel Silken puerta de América. El viernes 14 en la sede de la asociación, en el barrio de malasaña.
La entrevista que se brinda en este articulo se ha realizado en la sede del colectivo el día después de la primera actuación.

Pablo Gómez: "Todo es relativo y circunstancial".

Pablo, ¿te apetece hablarme sobre tu proyecto “El Ático de los Sueños"?
El “ático de los sueños” se basa a invitar pocas personas en un ático intimo a escuchar una creación inmediata, cosa sobre la cual estoy trabajando desde bastante tiempo como lo de improvisar sobre lo que me va ocurriendo. Es una manera de mostrarme a la gente y que esta pueda ver como trabajo y grabo en el estudio. Una manera de acercarte a la gente, no solamente amigos y conocidos.

¿Con quién has trabajado más en la última temporada?
En esto momento estoy trabajando con Ana pero en la última temporada he trabajado mucho con Kurly (artista de audiovisuales), Eva Lilith (artista plástica) y con Miguel Hernánz (artista plástico y conector artístico) de Madrid Acción. Con Kurly hemos trabajado en el proyecto “el ático de los sueños” y en la Tabacalera. Con Eva he trabajado en varios conciertos psicodélicos. Eva es una de las artistas que más estimo, ella es arte en estado puro. Miguel es la persona que ideó el Madrid Sonora y he colaborado también con él en varios conciertos.

En estos últimos dos años me estoy moviendo gracias también a mucha gente joven con muchas ideas. Estoy teniendo la suerte de conocer artistas con mucha coherencia y gana de hacer. He estado mucho tiempo grabando en casa pero lo que más se necesita en el campo artístico es compartir, contrariamente sería monótono y por suerte ahora todo mi esfuerzo está llegando al público.

¿Cuáles son tus proyectos futuros?
Antes de todo lo que quiero hacer es seguir trabajando. Seguir grabando maquetas y presentar mis proyectos. Me ha pasado de presentar mi trabajo en salas de arte, en exposiciones, y quiero estar preparado de ser llamado para actuar en cualquier lugar que haga falta.
En mayo colaboro con Kurly en el festival en Lavapiés: “Artistas del Barrio”. Estoy encantado de vivir en un barrio con tanto folclor y vida multiétnica,  y estoy entusiasmado de participar.
Las salas de arte son donde más me gusta actuar porque es ahí que hay la complementación de pintura, escultura, poesía. Lo ideal para mi.
Para mi es vital intercambiar relaciones, opiniones, creación, todo lo que se pueda. En el arte no hay límite y todo tipo de creación es posible. Me gusta la idea de ser un elemento más de un proyecto artístico que se desarrolla en conjunto. Colaborar con otros artistas es lo que más me llena, te nutres, se nutre y todo se hace más grande.

¿Cómo podrías definir  tu género musical?
Empecé estudiando flamenco, luego estudié clásica, para llegar por fin a componer por mi cuenta sacando lo que llevo en el interior. He escuchado mucha música de la escuela de Berlín como: Tangerine Dream, Ash ra temple, Nino Rota, Florencio Carpi. Me encanta la música italiana de los años 60 y 70. Rock alemán, guitarristas clásicos sudamericanos. La mía es una fusión de estilos, no llevo a profundizar ninguno de ellos pero extraigo lo que más me interesa para mi campo. Es ahí donde viene el concepto de atemporal, música que no se escucha normalmente en radio. Me gusta desarrollar ideas y ahora estoy desarrollando las potencialidades que tiene la guitarra, de manera ortodoxa, si así puedo decir. Utilizando todo los recursos que puede tener la guitarra, desde los rastros de cuerda hasta tocar atrás de los acordes. En fin  practicar con lo que me ofrece la guitarra y explorar un mundo sin límite como lo que te puede regalar este maravilloso instrumento.
Cristal del mar

Creo en la fusión y la mezcla de estilos para la creación de nuevas vertientes artísticas, así que a veces me pongo crítico con el conservatorio de música. Es verdad que es fundamental una buena educación básica de música pero los conservatorios, como dice la palabra misma, se conservan demasiado, son ambientes donde se siguen tradiciones musicales obsoletas, pasadas de modas. Poco a poco surgen nuevas ideas y es sobre estas nuevas ideas que hay que empujar y seguir. Mejor la evolución musical.

¿Qué sientes y en qué estado de encuentras cuando tocas?
Son varias fases. Lo primero es la concentración, lo que requiere tocar cualquier instrumento. Luego desconectar olvidando que está el público y conectar con los otros artistas, si hay. Disfruto muchísimo tocando y noto una sensación de libertad, emoción, sentimiento. Son sensaciones muy puras así como es la música. Y luego si notas que a la gente le gusta es todavía más satisfactorio. En ese sentido no importa ser un autor famoso para vivir estas impresiones. Son sensaciones universales y llegan al artista igualmente, sea con un pequeño o grande público.

¿Siempre tocas improvisando o si que sueles repetir dos veces el mismo tema?

Antes tenía un repertorio de cuatro horas en directo porque tocaba en cafés o en salones, tocando básicamente clásica. Ahora el estilo que tengo es más de acumular técnicas, estudiar mucho la guitarra para después combinarlas. Mostrar todo mi aprendizaje en directo, con lo cual voy creando una conversación con el público sin saber lo que va a pasar. En los últimos dos años nunca supe lo que iba a pasar. Ensayo en casa pero luego olvido todo en el momento de tocar en directo e improviso. Dejo que mi cabeza se vaya donde quiera. Todo es relativo y circunstancial.

¿Qué ha significado para ti el 1+1 Play?
Un descubrimiento. Movimientos así existen pero no siempre hay una guía y un apoyo de confianza. Gente que está viviendo para y por la cultura y eso es muy importante. Cuando se te da la oportunidad de poderte expresar es siempre una honor para los artistas, es nuestra linfa. Así que estoy muy contento de haber participado al 1+1 Play, además el resultado es bastante bueno, así que genial. Todo esto gracias a la confianza, nos habéis echo sentir como en casa y cuando hay esto todo sale mejor.

Ana Arregui: "La lejía como medio de “asexualización” y deconstrucción del imaginario social"

¿Cuéntame sobre tu proyecto Arqueolejías?  
Arqueolejías se define como una acción performativa, la cuál establece un conflicto entre la racionalidad de la disciplina del retrato y la acción improvisatoria de los materiales utilizados (tintas y lejía). Arqueolejías va construyendo a partir de identidades inicialmente identificables en su propio “yo”, hasta la despersonificación y asexualización del sujeto reinterpretando una nueva identidad. Con el uso de la lejía, se descubren luces y formas a partir de la oscuridad de la mancha. La acción de despersonificación alude a las construcciones definidas socialmente: lo masculino, femenino, lo bello, lo feo... La subjetividad queda al descubierto con la acción objetiva de los materiales.
http://arqueolejias.blogspot.com.es/

¿Cómo ha empezado todo? 
Este proyecto se inició en un momento de experimentación, de ganas de hacer. Pasé un año investigando y escribiendo una tesina, y digamos que fue una necesidad plástica, de contactar de nuevo con el material, y de probar nuevas vías.
El discurso en el que vengo investigando, sobre cuerpo-identidad-género, encuentra en la lejía un medio de “asexualización” y deconstrucción del imaginario social, como comento antes, ya que deforma al sujeto y lo reinterpreta fuera de toda subjetividad.

¿Tienes otros proyectos artísticos en activo y cuáles son los futuros que estás planeando?
Actualmente tengo varios frentes abiertos:
Acabo de clausurar mi exposición Arqueolejías en el centro cultural Guindostán (Madrid). Participo en una exposición colectiva “Orgía gráfica”  en el Museo de la Piel (Ubrique) con una pieza de la serie “Retóricas corporales” (retoricascorporales.blogspot.com).
Y mi Proyecto_pluriempleo (proyectopluriempleo.blogspot.com) ha sido seleccionado para formar parte del proyecto  comisariado por La Lata Muda y dentro del marco del Festival Miradas de Mujeres 2014, donde se hará difusión durante todo el mes de marzo. 
http://latamuda.wordpress.com/festival-miradas-de-mujeres/virtual-e-llas-2/
Como futuros proyecto estoy preparando una colaboración para la diseñadora Leire Valiente, y sobre todo ganas de mover el proyecto Arqueolejías y Le prisme Vertical.

¿Sé que acabas de tener una exposición en Madrid? 
Mi última exposición en el espacio cultural Guindostán ha supuesto una inyección de ganas, una motivación artística que ha continuado con el proyecto 1+1PLAY. Me ha aportado visibilidad en el ámbito artístico madrileño, y eso ya es decir mucho... una gozada.

Ha sido la primera vez que pintas con dos músicos a tu lado. ¿Cómo consideras esta nueva experiencia para ti?
Creo en el arte colaborativo, y la oportunidad de crear un proyecto multisensorial y multidisciplinar ha supuesto una evolución en mi trabajo personal. Lo ha trasladado a un punto emocional que no había experimentado antes. La fusión de nuestros proyectos en común, pero sin perder la identidad de cada uno... Y que haya funcionado como lo ha hecho. Además la participación del público, integrarlo en la obra a través de los 5 sentidos, para mi ha sido lo más emocionante. Sin duda pienso que hemos creado algo grande.

¿Puedes describirme Steeve y Pablo con un solo adjetivo? ¿Qué te han transmitido?
¿Sólo 1? Bueno, intentaré que lo parezca:
Pablo: generosidadmusicalmaestríapsicodélica
Steeve: rotundidadcontemporáneavisceral

Antes de actuar en el 1+1 Play tu y los chicos han llevado la misma performance en la Tabacalera. Te hicieron un video y te lo han censurado. ¿Puedes contarme que ha pasado realmente?
La verdad es que ni yo misma entiendo qué ha pasado. Cuando lo descubrí fue algo que me entristeció bastante porque no entendía cómo se podía manipular o juzgar el trabajo de las personas y de una manera tan fácil. El vídeo funcionaba como carta de presentación y ha desaparecido de los portales en los que se hace referencia. Luego pensé que no habría que darle más importancia, hay que centrarse en el trabajo de uno mismo, hacer y dejar hacer, y pensar que si ha hecho mella en alguien es que es realmente bueno lo que presentamos.
Por supuesto se ha vuelto a colgar: https://vimeo.com/89207669

Gracias a Sin Ánimo de Nombre por haberme permitido vivir esta experiencia.

P2H: "Cuando toco improvisando me puedo perder en la construcción musical"

Steeve, háblame sobre tu proyecto LeChiendeSinope.

Es el primer proyecto que he hecho enfocado para tocar en directo. Antes solo creaba composiciones, pero esta es la primera vez que trabajo para tocar live. Tengo mucha música grabada y terminada, como la que puedes escuchar en sound cloud.

https://soundcloud.com/lechiendesinope

Es la manera de componer que es distinta. Cuando compones en casa haces que tu pieza tenga una duración de 5-7 minutos, una sincronización y puedes trabajar con los efectos y mucho más. Cuando tocas en directo el sonido es el mismo pero estás improvisando y puedes perderte en la construcción musical. No hay que respetar las reglas que requiere una pieza musical. Lo mismo que ha ocurrido en mi actuación ayer en el hotel Silken de Puerta de America.

¿Cuándo ha empezado tu camino hacia la profesión de productor de música?

Desde hace mucho tiempo, mi padre es guitarrista de jazz y entonces he vivido gracias a él la cultura musical desde pequeño. No estaba muy interesado en los instrumentos que el tocaba y tampoco me interesaba copiar la imagen que él tenía como artista pero me interesaba el sonido. A los quince años he descubierto la música electrónica y todas las posibilidades que esta música te ofrece. He tocado también con vinilos durante mas de 10 años pero los programas son más potentes. Toco también la guitarra electrónica y la utilizo para grabar melodías que utilizo para mis composiciones. 

A los 16 años por primera vez compre una caja de ritmo, pero era una barata y de baja calidad que tenía limites para lo que quería trabajar, mis ideas musicales iban mucho más allá de lo que me podía permitir este instrumento.

Recuerdo una vez que estaba en una fiesta al aire libre en el sur de Francia, cuando de repente se acerca un hombre que quería intercambiar su ordenador con mi caja de ritmo, cosa absurda porque lo suyo tenía mucho más valor que mi caja. Así que sin pensarlo y con mucho agrado acepté el cambio y la primera cosa que hice fue descargarme un programa de sonido. Luego me matriculé en el “Institute Nationale de Audiovisual” en París  para empezar la carrera de Audiovisual. Y mientras estudiaba empecé a tocar en algunos locales y en fiestas organizadas.

Entre tantos géneros ¿por qué te has enfocado más en la música experimental e industrial?

Desde el principio la música que más me atraía era la violenta y fetichista como el Metal y el hardcore. Cuando tenía 8 o 9 años escuchaba en cintas música como los Metalica, Nirvana, Marilyn Manson. El Black metal, la música industrial y la electrónica siempre me han llamado la atención.

Pero siempre estoy buscando nuevas corrientes experimentales sin cerrarme únicamente al género violento, estoy abierto también a diferentes influencias musicales como puedes ser la clásica o el rock.

¿Cómo podrías definir lo que ha surgido entre tú y la guitarra electrónica de Pablo? ¿Es algo nuevo en tu sector musical?

Es nuevo porque Pablo es un artista que tiene su estilo propio, su universo musical. Cuando hay dos artistas que tienen maneras diferentes de hacer música, el producto y el efecto siempre es nuevo. No sabría definir nuestro camino porque nada está marcado ni estipulado, es totalmente libre e improvisado. 

En el pasado había colaborado con otros guitarristas y ya había trabajado en proyecto de este estilo.

¿Crees que vuestros sonidos encajan?

Todavía no he escuchado el audio que hemos grabado así que no sabría decirte, pero si que creo que es muy compatible. 

¿Cuáles son tus proyectos artísticos futuros?

En nada de tiempo me voy a Serbia y allí voy a continuar con mis proyectos musicales, quiero seguir haciendo lo que me gusta. Soy también artesano de joyería y no quiero perder tampoco esta pasión para las creaciones manuales. En Serbia yo y mi pareja vamos a tener un gran taller para trabajar y lo podemos hacer con mucha tranquilidad porque vamos a tener todo el tiempo que necesitamos.

¿Qué tal tu experiencia con el proyecto 1+1 Play?

Me sentí muy bien. Me interesan más las personas con las cuales trabajo que el concepto del proyecto en si mismo. Creo que es fundamental la comunicación y la relación que instauras en tu ámbito laboral. Muchas veces participo solamente porque me pagan pero no termino de sentirme identificado con las ideas. Pero aquí he encontrado un ambiente acogedor que me ha motivado mucho a colaborar y a trabajar con personas  abiertas en proyectos innovadores.

Fabrizio Rosano

22/03/2014

Madrid

1+1 Play Febrero: Expresionismo en Proceso

Lucia Alonso + Günes Oktay

Madrid + Instanbul

Este mes de febrero Sin Ánimo de Nombre ha vuelto con la segunda edición del proyecto 1+1 Play con dos jóvenes artistas: Lucia Alonso (Madrid) y Günes Oktay (Istanbul). La muestra se ha celebrado el día 21 en el Fuse-Atico del hotel Silken Puerta America y el día después en la sede del colectivo en la calle Antonio Grilo 9 en el barrio de malasaña (Metro Noviciado).

Lucía Alonso

Günes Oktay

Las dos artistas han trabajado durante una semana con un resultado extraordinario. Se ha podido visionar y apreciar dos manos y dos formas de pintar que han dado lugar a un matrimonio artístico que encaja en la perfección.

Lucia y Günes se caracterizan por tener en común una forma expresionista de hacer arte. Lucia con su frescura y trazos enérgicos. Günes con sus pinceladas llenas de personalidad. De una parte, la madrileña pinta retratos de personas inexistentes, rostros en espera de ser descifrados. De la otra, la turca se distingue por el uso de un texto ilegible en sus obras pictóricas.

Fue durante la exposición del sábado en la sede del colectivo que centré mi atención en hacer unas preguntas a las protagonistas. Empecé a hablar con Lucia y después a escuchar a Günes.

Lucia Alonso: "Cuando recordamos estamos conspirando con nuestros recuerdos".


¿Lucia háblame de los materiales que utilizas y de tu técnica de trabajo?

Uso principalmente gesso y miel. Construyo la cara quemando los materiales. La herramienta que utilizo para quemarlos es el soplete. Luego termino de construir los rostros con pintura acrílica. Empecé a utilizar la miel por equivocación. Un día se me cayó encima de un dibujo, por aquel entonces ya trabajaba con soplete, así que vi la miel quemándose y el resultado me encantó. Cuando dibujas con miel, esta, a veces, hace lo que le viene en gana, se derrama, se prende, es muy sugerente. Combinar tus intenciones con el propio lenguaje de la materia no tiene precio. También me fascina el olor que desprende la miel al quemarse. Cuando trabajo todo huele a caramelo.


¿Es posible llamar expresionista el resultado de tu creación?
Puede ser, porque mucha gente dice lo mismo, pero en verdad no lo sé, lo hago y no me importa colocar mis trabajos en un área específica, no me gusta que me encasillen.

¿Explícame porque utilizas cajas vacías como si fueran marcos?
Toda esta serie se llama Memorybox, en ella reflexiono acerca del concepto de memoria. A esta le precedió Openbox. Cada retrato, cada persona, está dentro de una caja que representa la memoria. Yo pienso que cuando recordamos,  realmente, estamos conspirando con nuestros recuerdos. Creo que nunca recordamos las cosas tal cual pasaron. A veces evocamos vivencias dolorosas para nosotros y mediante la imaginación y el olvido, modificamos, como si de un puzle se tratase, la composición de nuestro pasado, dándoles un final o intención diferente. Otras veces la memoria decide por ti borrar lo que no considera necesario, otras veces quieres recordar, pero tu memoria no te ayuda en hacerlo. Entonces el concepto es un poco eso, pienso que conspiramos con los recuerdos, entonces cada uno de estos rostros se encuentra en un proceso de conspiración. Gracias al olvido y la imaginación la memoria se convierte en una herramienta de futuro, y no en una losa inmutable y eterna.

¿Tus citaciones bajo cada dibujo tienen relación con el rostro del personaje?
Las citaciones las pongo después de pintar y sí que tienen relación. Numero las citaciones del 0 al 1000, eso significa que cuanto más grande es el número más reciente es el recuerdo con el que el rostro está conspirando. Los números menores son de la infancia y si no tienen número son recuerdos creados y adquiridos como verdaderos.

Me gusta también la idea del tiempo. Cada caja es el espacio de la memoria y  los retratos no están ni pegados al fondo como si fuera un marco normal ni tampoco fuera. Están en el medio, en el ahora, en la atemporalidad ya que si pasa el viento por los rostros estos empiezan a moverse, no están fijos, bailan. El mensaje que quiero dar es el no tiempo: ni pasado, ni presente, ni futuro. Es otro mundo, mis personajes están en un tiempo abstracto.

¿Las caras que pintas son de personas que conoces y que hacen parte de tu vida personal?

No, cuando dibujo nunca parto de ninguna idea como puede ser el recuerdo de una persona o la imagen de un amigo. Tampoco me gusta copiar nada, simplemente empiezo a pintar y cuando pongo la miel y la pintura van apareciendo rostros, como si estos quisieran salir  de una forma independiente a mi voluntad.  Puede pasar que al principio de la obra  la cara parece querer ser la de un niño, sigo dibujando y se transforma en un anciano y cuando termino de trabajar de repente es el rostro de una mujer. Yo pongo mi intención y la materia me habla.
Es como una obra en continua transformación. Los rostros son de personas que no existen y me gusta llegar a dotarlos de personalidad, individualizarlos hasta el punto de poder elucubrar acerca de su vida, su pasado, sus estados anímicos, su nombre, etc. Luego vuelves a pensar que estos rostros son inventados e imaginarios, entonces para mí representan a cada una de las personas que han dejado algo marcado en mí, cada ser humano que existe, se convierten en retratos colectivos. Una cara es la misma para todos, una cara es todo el mundo y lo que yo hago es simplemente la unión de miles rostros, que he visto por ahí, en una sola persona.

¿Como ha sido trabajar en dos, es tu primera ves?
Trabajar con Gunes ha sido un placer. Normalmente trabajo sola, con mis rituales, maneras y tiempos. Compartir el proceso de creación con otra persona ha sido una experiencia nueva para mi y volvería a repetirla. Creo que cuando uno trabaja desnuda un poco su parte más pura. A pesar de lo fugaz del proyecto me he sentido muy a gusto trabajando con ella!

El Blog de Lucia Alonso


Günes Oktay: "Escribo para vomitar lo que tengo dentro".

Günes, la misma pregunta para ti. ¿Qué materiales has utilizado y cuál es la técnica que sigues?
Normalmente trabajo de una forma muy rápida, así que necesito materiales prácticos, que me pueda collage, un collage de pensamientos si así se puede decir.

facilitar, como los pasteles, rotuladores, tinta, acrílico, tiza y óleo. Es una mezcla de todo lo que puedo encontrar, de todo lo que puede funcionar para la obra. Pinto la mayoría de las veces encima de papel pero me gusta hacerlo también sobre madera. Además intento hacerlo  improvisando y el resultado es un
Escribo para vomitar lo que tengo dentro, así que encaja a la perfección la técnica de cortar, romper el papel, sobreponer capas una encima de otras. Funciona muy bien para el sentido que le quiero dar. Hablo de los cambios en la vida, las cosas que se van aprendiendo, de la madurez personal que nos toca a cada uno de nosotros.
Es también  por esa motivación que creo mis obras de una forma muy rápida. Cuando dejo pasar el momento en lo que estoy inspirada todo se pierde y no consigo generar nada creativo.    
Por eso que estoy acostumbrada a producir muchísimo antes de elegir lo que me gusta.
Selecciono las obras que más me gustan, algunas me entusiasman más que otras.


¿Sueles seguir un hilo conductor o sobrepones varios temas en la misma obra?

Depende de mi estado de ánimo, del momento, a veces solo quiero escribir sobre un tema específico.

Otras veces me inspiro mezclando varios temas personales que me afectan en la vida cotidiana. Todo depende de lo que yo vivo en cada momento de mi vida.
En las obras que he presentado hoy uso letras, palabras, texto como lenguaje del arte, como elemento de la obra.
Además es un texto ilegible, que no se puede leer porque no quiero mostrar ningún camino al espectador. Tampoco me gusta desnudar mi pensamiento al lector. No es mi objetivo dar mensajes claros y entendibles dentro del texto, desahogo los sentimientos que me rodean.
Ese es el resultado y casi siempre escribo en turco porque es donde me puedo expresar mejor. A veces me siento más cómoda en español o en inglés.

¿En qué área del arte catalogas tu obra?
Pues si, intento expresarme, utilizo pintura y papel para realizarlo. Si hay que colocar mi arte en alguna área, seguro que la que es más afín a mi estilo es el expresionismo.
Es la misma motivación por lo que hemos llamado la exposición “expresionismo en proceso”.
Cuando creo no lo hago para una obra específica sino que lo hago para mí. Es mi proceso para expresarme. Es mi manera de relajarme.
Otro género que se puede asociar a mi arte es el “action painting” (pintura en acción), que como parte del expresionismo, es una pintura donde el movimiento del cuerpo es muy importante.

A una persona le puede costar entender el significado de mis obras. El público puede pensar lo que quiera y cada persona puede imaginar una cosa diferente.
Son muchos los pensamientos que tengo cuando pinto y no es necesario decírtelos o desnudártelos, no es mi objetivo hacerlo. Solo es algo comprensible para mi.
Intento sacar los sentimientos sin pensar mucho y compartirlos con el papel.
No estoy hablando con ninguna persona, mi interlocutor es la obra.

¿Qué tal ha sido trabajar con Lucia?
Por culpa del tiempo no hemos trabajado mucho juntas, pero de lo poco que he vivido con ella te puedo decir que me encantan sus obras y su pensamiento.
Ha sido fácil porque nuestro estilo es muy parecido y nos ha venido genial.
Ha sido una nueva experiencia. Es la primera vez que trabajo conectada a otra artista y ha sido muy interesante para mi.

Vomito la miel que habito
transformo lo nada en algo
en algo que conspira
que expresa.
Creo,
me entrego para sentir
para escuchar hasta lo que no existe
sin prejuicios
sin buscar algo preciso
convencida que cada partícula es tierra fértil.
Vivo,
desgarrada de ver todas estas ollas
hervir sin sentido
y echarlas al aire.
Una vuelta cósmica 
sobre sí misma
sin la intención de resolver nada.
De volcar toda la mierda
metida dentro de mí mente volcánica
contemplando en una playa turca
desértica
bajo un frenético atardecer desordenado

que me deja ciega de alegría,
de vacío,
repleta.

Fotos: Laura Fernández Sanchez

Fabrizio Rosano

03/03/2014

Madrid

Entrevista a Dos de Tres

Es una mañana nublada de mediados de enero, en el cielo no se logra ver ni un trozo de azul, parece como si la lluvia estuviera impaciente por caer. Llego a la calle de Marcelino Roa Vázquez en el barrio de Ascao donde está el taller de Matias Blanco-Cobaleda y Diego Fontecha. Los dos han estudiado "Arquitectura de Interiores" en la ETSAM (escuela técnica superior de arquitectura en la Universidad Politécnica de Madrid) y juntos han montado dosdetres, así se llama su firma. 

http://www.dosdetres.com/

Matias y Diego

Dosdetres es una marca que produce lámparas por lo general, pero también relojes, mesitas, percheros y otros objetos de design y decoración. Decidí conocerlos porque me llamó la atención la creatividad de sus piezas. Además su logo lo veo a menudo en muchas tiendas y bares de Madrid.

Antes de la entrevista doble hemos divagado hablando de arte, de amigos e intereses en común, de hoy y del pasado.  Después de esto lancé la primera pregunta:

Chicos contadme, ¿Cuando empezaron y porqué las lámparas?

Matias

Empezamos en el 2010 con esta idea y todo empezó porque nos gustaba el sector de la iluminación desde que lo habíamos estudiado en diseño interior y de ahí la pasión por el diseño. Cuando te gusta el diseño terminas enamorándote también de la arquitectura, del mobiliario, fijarte en los detalles de los objetos. Cuando salimos de la universidad y no teníamos trabajo, decidimos empezar a crear piezas con objetos reciclados. Por dos motivaciones en concreto: uno porque es más barato hacerlo y dos porque es otro modo de diseñar.

Diego

Después de la universidad hemos participado también en varios concursos de diseño e innovación que nos han dado un buen aprendizaje y acercado al mundo del trabajo. Gracias a la formación universitaria y las experiencias laborales trabajamos también en otros sectores como la dirección artística y la infografía en 3D.

¿De dónde viene la idea y la inspiración del proyecto?

Matias

Encontrar un objeto nos facilita el trabajo porque ya tenemos el material fabricado y lo que hay que hacer es darle la vuelta y convertirlo en lo que tu quieres. Crear una pieza de cero es mucho más caro y además tampoco sabes cómo y si lo vas a vender. Nuestra manera de trabajar es mucho más rentable.

Diego

Nuestra filosofía es ahorrar energía porque damos un nuevo uso a objetos que ya no se utilizan y lo hacemos a un coste mucho más bajo. ¿Por qué destruir la botella y volver a producirla cuando hay la posibilidad de reutilizarla? Lamentablemente hoy en día el sistema del reciclaje es todavía muy imperfecto. Es verdad que separamos los envases de los orgánicos pero luego en los envases hay mezclada muchas cosas como metal, plástico etc. El reciclaje debería ser mucho más selectivo y hay formas mucho más rentables para el consumidor y con métodos  más sencillos para hacerlo.

Matias

En unos de nuestros principios está la vertiente ecológica: cogemos materiales viejos o en desuso. Todas aquellas cosas que ya no se utilizan más como los vinilos de la época de nuestros padres por ejemplo. Y como los vinilos hay muchos más objetos (basura para la sociedad moderna) que es completamente reutilizable.

¿Qué materiales en desuso reutilizáis?

Diego

Un poco de todo: teléfonos, botellas, barriles, cámaras, vinilos, discos, altavoces, espejos, radiocasete, magnetófonos. Hemos utilizado también el generador eléctrico de gasolina por ejemplo. Herramientas deportivas como los esquís y los palos de golf. Algo muy común pero que utilizamos menos son las latas de aluminio porque el material es demasiado frágil para brindar una pieza de calidad. 

Matias

La primera pieza que hicimos fue un reloj de disco duro y seguimos haciéndolos con toca discos, con vinilos, con magnetófonos (los casetes de los años 50’-60’).

Hay lámparas con flexo, con  luz direccional y útil. Siempre ponemos bombilla con luz cálida, nunca bombillas frías. Cada ambiente o exigencia nos da la respuesta al diseño o la funcionalidad buscada. Y todo lo hacemos siempre con mucho criterio para que el producto final tenga un sentido estético y funcional.

También nos gusta restaurar lámparas antiguas para volverlas a hacer funcionar.

Luego para lo que es la electrónica, no controlamos mucho y tampoco hace falta.  Montar una lámpara no es muy complicado y saber sobre la electricidad básica te vale.

¿Cómo han conseguido encajar la inventiva con  la creación artística partiendo de objetos en desuso?

Matias

La inventiva viene del objeto, normalmente suele venir de ahí. Es como jugar un poco con la imaginación, en otras ocasiones tenemos la idea y luego vamos relacionándola con el objeto.

Diego

Es que la mayoría de las veces el objeto te desvela el uso. El objeto mismo te da ya la idea de los posibles usos. Te hago un ejemplo: con los esquís creamos percheros y si lo piensas bien, los esquís son perfecto para ese uso específico.

Matias

A veces somos cabezones porque queremos hacer que el objeto tenga un uso completamente diferente a lo que podrías ser lo habitual o más lógico. Pero lo pasamos bien porque vamos desarrollando ideas que a veces nos llevan a creaciones innovadoras mientras que otras veces derrotamos por un pequeño detalle o error.

Diego

Nuestra idea es integrar las funcionalidades del objeto con el diseño. Creamos muchas veces para que la pieza sea eficaz y útil, como en el caso de que las lámparas proyecten una buena luz  /iluminen bien una habitación. En otras ocasiones jugamos con objetos o luces que dan un efecto final diferente: algunas lámparas son decorativas, sirven como luces ambientales o para otras funciones más específicas (lámparas de trabajo, para ver películas o leer un libro).

¿Por qué no alargar vuestra filosofía de trabajo a otros sectores con otros tipos de objetos?

Diego

La reutilización de objetos se podría ampliar a muchos más sectores, claro que si. Según el material que tienes a disposición y el objeto que quieres conseguir siempre hay posibilidad de construir algo útil. Te podría hacer miles de ejemplos: hay gente que construye casas completamente con materiales reutilizado, hemos visto un hombre que se hizo un invernadero con diferentes ventanas,

Vivimos en una sociedad donde estamos acostumbrados a tirar cualquier cosa cuando se rompe o no funciona. Reutilizarla sería lo más lógico: disminuimos basura, guardamos dinero y  la tierra misma ahorra energía.

¿Por qué os llamáis 2de3?

Matias

Fue por una anécdota con un antiguo amigo y a raíz de ello surgió el nombre.

https://www.facebook.com/dosdetres.diseno/photos

Fabrizio Rosano

19/02/2014

Madrid

1+1 Play - micro-residencia de los artistas europeos

El pasado 16 de enero, Sin Animo de Nombre estreno el proyecto 1+1 Play con una exposición colectiva, en el Fuse-Aticos del hotel Puerta América.

Video resumen del evento:
http://www.youtube.com/watch?v=W2hZmybgvhY&feature=share
Video de Sergio M. Photograph

Para la presentación de 1+1 Play, Sin Ánimo de Nombre ha organizado una exposición colectiva con algunos de los creadores que participaran en el proyecto y que forman el núcleo de artistas más activo de la ciudad de Madrid.

Durante el evento hemos querido entrevistar los artistas que han dado vida a la primera edición del 1+1 Play haciéndole una misma pregunta a todos.

Se trata de una pregunta sencilla y directa para saber más sobre la obra que han llevado a la exposición.
¿Puedes hablarme del trabajo que has presentado esta noche? ¿De donde te vino la inspiración y que técnicas has utilizado?

An Wei Lu Li:

Mi nueva creación quiere hablar sobre el ser humano y su relación con el hábitat en el que vive. La relación que puede tener el habitar como simple contesto donde vivir con los sacrificios para conseguir la libertad de vivir.

Es una crítica a uno de los muchos problemas que hay todavía en nuestra sociedad.  Quise hablar sobre este tema porque este derecho social no está todavía muy claro hoy en día. En España y en casi todos los países del mundo. Hablo del problema del desahucio, las instituciones públicas echan la gente  de su propia casa en casos de deudas con el banco, falta el dinero para pagar la hipoteca y los impuestos. La mayoría de las personas que tienen este problema son las mismas que han perdido el trabajo, o se lo han quitado, o que incluso han perdido su casa.

La técnica utilizada es arte plástico y para representarlo dibujé el rostro de un individuo encerrado dentro de una estructura de ladrillos de cuatro paredes que puede simbolizar una red, una cárcel, una verja. Resaltar lo que es la estructura entorno a la persona. Tantos años de sacrificios para pagar tu casa para que luego te la quiten y te echen a la calle. Una contradicción fuerte ver un individuo encerrado en su propia casa como si fuera una cárcel en vez de ser su hogar de descanso y libertad.

A.Belinski:
He reinterpretado dos obras celebres: la primera, “La tentación de  San Antonio” de Dalí que se convierte en “El desahucio de San Antonio”;  la segunda, “La balsa de la medusa” de Géricault que se transforma en “La balsa de Lampedusa”.

En Fuenlabrada hay un paseo que se llama Paseo de San Antonio y justo allí hubo un desahucio hace poco y entonces todo cuadraba. Fue por esta motivación que me inspiré.

Lo misma pasa con “La balsa de Lampedusa”. Resaltar  lo que ha pasado en Italia con las últimas leyes sobre la inmigración y de las pateras que desembarcan en las costas europeas. Hace unos meses han muerto muchos inmigrantes en las aguas de la isla siciliana y muchos de ellos porque no han podido ser ayudados y socorridos por las embarcaciones de alrededor porque hubiera sido ilegal según las nuevas leyes.

El mensaje que quise dar con mis nuevas obras es claro. Criticar el sistema político en lo que vivimos y la situación socio-económica en la que nos encontramos. Utilizar el arte para luchar los problemas actuales. Utilizando como referencia obras antiguas, puntualizando que los mismos problemas que hay hoy en día en nuestras sociedades son los mismos que siempre han existido.

Esperando la libertad, homenaje a la cultura Anarko-Surrealista 
Es un  montaje, una escultura que representa el arte y de cómo el arte se relaciona con la sociedad, o como debería que relacionarse. Como puedes ver hay en el estomago de la estructura una jaula y dentro de ella una persona oxidada de tanto esperar que alguien la saque y la lleve en el campo del arte. El arte debería que ser derecho de todos y se debería que promover siempre más, ser abierta a todo y todos sin discriminaciones, y enfatizarla, divulgarla. Por eso quise representar un bufón o juglar a brazos abiertos porque es así como debería que ser.

Jimena Aragonés Talavera:
He llevado dos nuevas obra esta noche: “Crónico” e “Inside”.  La técnica utilizada en ambos ha sido acrílico con espátula y pastel. Es una técnica mixta porqué hay también el uso del rotulador. La verdad que la inspiración ha sido muy casual. Realicé  esas dos obras estando en casa, sola, escuchando música. No utilicé ningún modelo, por lo que fue un buen ejercicio mental y artístico: dejar a mi mente trabajar libremente.















Ze Carrión:
Las dos obras realizadas son "Napalm" y "Vietnam". Recrean la violencia surgida en el ataque de lluvia de Napalm de los Estados Unidos sobre Vietnam. La idea es dar un mensaje al público de que la historia se repite, y otra lluvia de Napalm puede ser posible, y cosas incluso mas atroces, si cabe. Las armas de destrucción masiva se siguen investigando y fabricando. Son cuadros de denuncia. La técnica utilizada es spray sobre lienzos.

Javier Muñoz
Mi trabajo se basa en lo geométrico, pero dentro de ese campo me inspiro en la geometría fractal. No sigo sus patrones de crecimiento, solo la uso como fuente de inspiración. Las técnicas usadas en esta última exposición son varias. Los relieves son construcciones realizadas con plastilina de escultor ya que esta aporta mayor detalle a la obra. Y las otras obras las realizo usando dibujos sobre acetatos los cuales combino para crea esa maraña.

Arturo Alarcón:
Te hablo sobre “Collar de perlas”. La idea nace cuando el gobierno de Esperanza Aguirre empezó a privatizar el agua. Por aquel entonces yo andaba trabajando con vendas de escayola haciendo extractos de impresiones en relieve que hay en la ciudad.

Haciendo un proceso similar al de los polímeros que se usan en flexografía, el objetivo era hacer una fotografía orgánica de un objeto en estado deteriorado. Con lo que hice el extracto de un registro (alcantarilla) de agua. Más tarde empecé a hacer una serie de registros de bienestar deteriorado, que hoy por hoy lo son todos, luz, gas, teléfono, saneamientos... "El bienestar es un lujo", de esta sentencia nace la idea de presentar los registros como si fueran un collar de perlas gigante, surrealista, inaccesible e inútil. El collar de perlas es un símbolo ostentoso al que sólo tiene acceso la clase alta de la sociedad y que la clase media española anhela, aunque sea de imitación, para enseñárselo al vecino y hacerle creer que poseemos más de lo que tenemos en realidad. Somos así de bobos, no nos damos cuenta de que quien quiere que sigamos devaluándonos es quien nos suprime. Somos capaces de comprar un collar y pagarlo dentro de tres meses, mientras tanto el sistema de derechos y bienestar se deteriora y se pierde. Espero que hayáis disfrutado de esta contradicción descontextualizada, aunque no lo hayáis entendido. Espero que viéndola os pueda parecer estético y bonito.

Dr. Homes:
Mi trabajo tiene mucho que ver con ilustrar el orden en el caos, el todo en uno, horror vacui con tintes naif. La inspiración es la sociedad post graffiti y supongo que las masas de gente gritando al unísono. La técnica es rotuladores y tinta sobre papel.

Fabrizio Rosano

29/01/2014